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2009/11/12 新版“香奈尔5号”广告
"天使爱美丽"给Chanel 5号拍的广告，替换下如今人气不再的妮可·基德曼。 让-皮埃尔·热奈前段时间没拍啥电影，大部分时间都在拍广告了。这个还不错，最早一次是在电影院里看到的。光影和美工处理的很好，镜头调度也是热奈的强项，可年代有点模糊，现在去意大利都坐特快了，豪华包厢像是五六十年代的，那时怎么会有数码单反呀？ 热奈曾给法铁sncf拍过一个广告，风格就完全不是这样。估计这次是厂方点名，就要塔图的“爱美丽”风情吧。 我没记错的话，男主角倒是没换，还是上次那个勾引妮可的型男。这一次换了法国美女，好艳福呀。 2009/6/15 你看，毕加索的脸 蔡明亮拍了一部《脸》，反响平淡，很多记者影评人大叫看不懂，蔡导有些郁闷。
我觉得蔡导压根就不该找卢浮宫来合作，应该去“毕加索博物馆”的，西班牙人无比疯闹的思维方式，才能演示出他心中繁杂的‘脸’，解构一个爱欲的虚幻世界，从立体到平面，再到立体。
上周日因为去了法网决赛，错过了巴黎免费的博物馆日。所以今天补，Luc特意跑去毕加索博物馆。卢浮，奥塞，蓬皮杜这类大的都去过了，就剩一些小的，藏在老城区步行街，深闺少人知。
七拐八弯的老街，很多店铺还开着门，操着各国语言的游客，比外省热闹，巴黎人的烦恼还是荣耀。老式宫殿改建成的博物馆，内部空间隔得现代，外墙还设了个镜面，简单得有趣，还得舍得花材料。毕加索一生的画作，也在用空间来开玩笑，却很少见工整的对称，也没有堆砌和复制。化繁如简是他的拿手戏，这个秃头里有太多奇妙的线条，世界变得简单，本不相干的事物，简单一连，就把灵魂吊了出来。
博物馆人很少，小小一栋楼，三四个工作人员。 大部分都是毕加索的作品，素描，油画，雕塑，装置，按照年份在楼梯里盘旋。存世有几万的作品，这里先见着并不太出名的静物习作，小画幅的创意，模仿塞尚和点彩画派的尝试，玫瑰色时期和立体黑色期的几幅代表作。真正成名后的大作如“亚维农少女”“格尔尼卡”早被其他博物馆珍藏，从二十世纪初到五十年代，我看到毕加索在变得圆熟，变得幼稚，变得严肃，变得嬉闹，童趣盎然。
转角处还有几幅马蒂斯，塞尚，卢梭等人的画作，他们受到或者被受到毕加索的影响。突然看到熟悉的细眼，向我凝视，毫无保留的突兀，我最爱的莫迪利亚尼怎么也会在这里，难道珍妮也曾是洗衣房串门的毕加索的暗恋对象？ 她纤细的脸庞，肩颈，在毕加索一众粗大扭曲健硕的女人体中，是那么单薄，毫无肉欲。
当年在国内买画册传记，最迷的就是这二人。一个蜚声世界，得享尊荣于天年，另一个身寒窘困，心怀奇情天妒英才。 毕加索的美，在于他的变化，莫迪却不变，或者说还来不及变，他只有一个珍妮，毕加索却有七个女人。博物馆里并没有太多白色时期的作品，大概是因为那会儿毕加索已经离开了巴黎，埋在了南部的瓦格纳戈。早期的许多作品，也不在巴黎，捐给了祖国，西班牙巴塞罗那也有个毕加索博物馆。
但他的艺术生命在巴黎，感谢法国，给了这个伟大的灵魂最广阔的空间。博物馆里最多的是他立体时期的作品，这是他最妙的眼神，我自惭无法正面迎接（也找不到哪里是正面），偷看一二。
尤其喜欢几幅《图画》，《女人肖像》和《吉他》系列，毕加索的内心从未平静。一个世纪的世界，在他的目光里是魔方，这张脸拆开来，重新组合，更美。
Luc，2009年6月14日于巴黎
p.s. 题头图是最后一个展厅的照片，我喜欢这张，六七十岁的老汉，和孩子们游戏。
 这张我也很喜欢，美得安逸，富饶
 挥之不去的童趣
 是不是很像《变形金刚》电影版里的威震天？
 机械与肉欲
 女人是毕加索一生的迷恋
 此画的名字叫《吻》...
 太可爱了，临摹一张挂墙上
 珍妮，最爱
2008/12/4 《父与女》推荐这部短片，因为它最简单，也最真挚。父亲是个两极徘徊的角色，而我们，永远是用尺子测量高度的孩子。
一个没有答案的谜：谁会回到那没有人跳舞的地方起舞？ 我梦见另一个人的灵魂,穿着另外的袍子, 掠过怀疑直达希望,象酒精那样,燃烧而没有阴影,然后溜走, 并留下了纪念品：桌上的丁香。 孩子,不要为可怜的欧律狄刻烦恼,且滚着铁环度过人生, 在你迈出的每一步,你会听到大地的回应,嗓音甜美、单调。 --安德烈·塔可夫斯基
Luc，2008年12月3日于法国 2008/11/21 马格立特的烟斗 今天一开电脑，就发现古狗换了图标，仔细一看这礼帽，脑海里立刻闪现出一个人名：René Magritte（雷内·马格利特）。果然，今天是他诞辰110周年的纪念，古狗颇有些文化和艺术上的嗅觉，常用此方式来纪念那些重要但又不是十分盛名的艺术家。就凭这点，就强过某个靠受贿定排名、要挟来经营的网站。 雷内·马格利特，这个在艺术史上与达利齐名的超现实主义画家，同时也是比利时现代最著名的画家。比起后者来，马格利特的作品更加写实，在具象的物体下，却标注了一种智慧上的嘲讽，一种思辨的精神。 第一次看他的作品，就是那个脸被青苹果遮住的男人，一身黑衣礼帽，仿佛就是契诃夫《装在套子里的人》的写照，许多作品具有装饰性，和适合作为书籍的插画出版。据分析，他之所以喜欢在人脸上覆盖苹果，是因为童年时期目睹了母亲投合自杀，打捞起来的尸体面容上，就被物体遮掩，这对他成年后的创作灵感造成了很大的影响。 超现实主义，玄学派，都与现代精神分析有关，马格利特的人生，也充满了曲折和矛盾之处。 虽说是比利时最伟大的艺术家之一，可年轻时的马格利特，即便是科班出身（皇家艺术学院），可在布鲁塞尔的创作生涯并不顺利。他所属的小团队与当时不少的艺术家并不合拍，其中包括让·考克多。1927年他的个人画展受到了不少苛刻的批评，马格利特有点心灰意冷，离开祖国，出走巴黎。作为当时全世界的艺术中心，巴黎宽容的艺术氛围给于了马格利特施展手脚的空间，他也结识了达利，马克思·埃斯特，安德烈·布雷东等意气相投的超现实主义者。那几年，他们的实力大涨，掀起了一场超现实主义的风潮，马格利特创作了大量的油画，商业海报和广告插画，这是他人生最重要的时期之一。 1930年后，马格利特又回到了布鲁塞尔，次年举办了个人画展，并加入了比利时共产党，其后数年他开了一个出版社，以此为生，直到二战爆发。1936年和1940年，马格利特的作品相继在纽约和伦敦的画廊里展出，整个战时，他基本上留在了被德国战略的布鲁塞尔，继续自己的工作。战争后期，马格利特开始专注于技术上的突破，他研究印象派雷诺阿等人的作品，用自己的方式来模仿和变化。战后他陆续展出了这些风格有所不同的画作，这已经与巴黎时期那些超现实派不尽相同了。 晚年的他已经身患癌症，但却乐于远行，除了意大利和法国，1965年终于有机会亲身前往美国，此时他的盛名已广为传扬，对后来的Pop艺术，极简主义的影响至深，收到了广泛的欢迎。 1967年雷内·马格利特因胰腺癌逝世，藏于布鲁塞尔的Schaerbeek公墓，坟前有其雕像，他早已是比利时家喻户晓的人物了。 至于《这不是烟斗》，Luc是读大学时在画册上看到了，一开始没理解怎么个意思，很普通的静物嘛。想了一会儿才明白，这图像要配着文字一起看，或者说，文字也是图像的一部分。马格利特的思维，已经不是绘画，而属于哲学范畴了。  Luc，2008年11月21日于法国兰斯 p.s. 有喜欢他的朋友要看，我再帖几张    
2008/10/22 每个人都有一双缪斯的手 上次推荐新片的时候，遗漏了一部很不错的电影《séraphine 塞拉芬娜》，看过之后不觉感慨，特此重新推荐。
作为一个具有传奇色彩的邂逅，影片把一位曾经从埋没到发掘再到埋没的‘画家’搬上了荧幕。露易丝·塞拉芬娜并不是杜撰出来的煽情人物，历史上确有其人。一位从未学过绘画的鄙俗的女仆，完全靠着自己对艺术，对自然的原始感受，用独特的颜料把心中的美感倒影在画布上。这个女人被一位著名的画商威廉·沃尔德（发现亨利·卢梭，资助毕加索的那位）在度假时不期而遇，发现了她的艺术天份，把她从肮脏的地下室带到了巴黎的画廊里。
这个邂逅充满了艺术家的传奇性，伯乐发现良驹，如同画家找到灵感一样，突如其来，稍纵即逝。从表面上看，塞拉芬娜是那种扔在菜市场都会消失的下等女佣人，她肥胖羞涩，打扮粗陋，如果不是沃尔德那双慧眼凑巧瞄见了塞拉芬娜放在厨房的一幅小画布，他绝不会想到这个低头匆匆，蓬头黯淡的女人，还有如此明亮的心灵，一双被缪斯抚摸过得双手。
每个人都可以成为艺术家，每个人也都有权为艺术献上自己的注解。 塞拉芬娜的心灵，比起她服务的那家中产阶级要美丽的多，也比大多数出入画廊，高谈阔论的布尔乔亚们更加纯洁透明。她对美的感悟，来自对信仰的虔诚，和对大自然的原始热爱，这好比是圣女贞德在上帝的感召下得以点化，授予了勇气和使命。
在二十世纪初，露易丝·塞拉芬娜的画曾在巴黎的画廊里被人们惊叹，她被归入到‘原始画派’中，也常被称作‘天真艺术家’（Art Naïf）。这个画派并没有固定的人群和整齐的风潮，多是一些自学成才的业余画家，完全凭借对艺术的自发行理解，用不同于学院派和街头派的手法表现出来。这些画家和雕塑家崇尚自然，无视(无知)于学院派的条条框框，也无意去探索系统的绘画理论，仅仅是用最朴素的追求来升华自我，打动旁人。 原始画派中，最著名的莫过于亨利·卢梭了，这位‘报关员’一辈子就在自己琢磨怎么画，即便毫不正统，也没丢了本职工作，一股子天真的韧劲创作出童话般的作品。‘邮递员’斐迪南·舍瓦尔也一样，都有着一份普普通通的本质工作，偏就是业余时间创造了不大不小的建筑奇迹。原始派画家对整个现代艺术的影响颇大，玄学派，后印象派，立体派，超现实等等，都受到过他们的启发。
然而，塞拉芬娜却没有如此幸运。 她并没有因为那些靠花汁草叶绘成的油画成为巴黎追捧的艺术家，相反，当她回到故乡没多久就疯了，住进了精神病医院，终生未嫁。没过几年，二战爆发，年老孤独的塞拉芬娜悄悄的病死在克莱蒙附近的一家疯人院里，无人知晓。
影片获得的肯定，大家都被这个女人打动，也被这种表演所感染。同情，欣赏，惋惜，除了献给塞拉芬娜，也送给扮演她的女演员 Yolande Mareau。 如果你对这个名字感到陌生，那我来提醒一下，还记得《天使爱美丽》里，那个住在塔图楼下，一辈子等着丈夫来信的那个女人吗? 就是她，其貌不扬的中年妇女，但却是一个非常有才华的演员。2004年Mareau第一次自导自演了一部电影《Quand le mer monte》就拿下了当年的德吕克奖和凯撒最佳处女作奖，自己也获得了最佳女主角的荣誉。这一次Mareau在《塞拉芬娜》里的表演也堪称完美，几乎与这个传奇女画家合为一人，仿佛就是在展示她那虔诚朴实的人生。绝对是今年恺撒奖有力的争夺者。
最后，说了这么多，来看看露易丝·塞拉芬娜的画吧。她仅存的一点点作品，分别收藏在巴黎的Musse mollol美术馆，musée d'art de Senlis 美术馆，尼斯著名的musée d'art naïf 美术馆，以及里尔的 musée d'Art moderne。
  Luc,2008年10月22日于法国兰斯
请勿转载先 2008/1/6 居勒·杜普雷-森林里的灯光师 对于巴比松画派，许多人只知道迪奥多·卢梭（Theodore Rousseau）和米勒（Millet），对于这个上承古典学院派，下启印象主义现代绘画的法国风景画派，总是会让人不小心的略过，遗珠于浩瀚的近代杰作里。风景画，这个很久以来在法国不受重视的题材，每每总是成为宗教绘画的背景，人物事件的陪衬，十九世纪之前的法国人，不稀罕单纯的描绘景色，仿佛那是荷兰人才干的活儿。
幸好有了巴比松人，这群热爱大自然的城市画家，从法国各地相约出行，逃到了枫丹白露旁的小村子巴比松（Barbizon）。他们在那里创造了法国唯一的风景画派，用自己手中的画笔，赞颂大自然的美妙温柔，逃避工业城市的喧噪机械，把对现实的理想，融入到蓝天白云，绿树寒鸦之中。史称巴比松学院（Ecole de Babizon）。
这是第一次，让Luc认真的留意巴比松画派，如此集中大量的欣赏他们的真迹。兰斯美术馆的新年特别展，推出了以居勒·杜普雷为中心的巴比松回顾展，从卢浮宫，奥赛，还有大量私人收藏家手中借来他们的作品，为我打开了一扇通往自然的窗口。十九世纪的法国，工业文明里最后的一片田园牧歌，还残存在他们的画布上。
Jules Dupre(居勒·杜普雷 1811-1899) 是巴比松画派中早期的代表人物，他的人生，基本就贯穿了整个巴比松画派的兴衰。十九世纪三十年代时，这群有志青年就相伴隐居在巴比松，开始写生，创作，游学荷兰和英国，画出自己的风格。到了六十年代，杜普雷的晚年回到了自己在南特的家中，继续在海边和乡间的家中创作，并创建了法国现代风景学院。
 杜普雷的作品，对梵高的艺术追求产生了极大的影响，虽然没有文献记载他们在巴黎是否曾见过面，但梵高不只一次的表达出他对杜普雷的崇敬。在他看来，杜普雷是法兰西浪漫注意的化身，‘终于，我可以像杜普雷一样去作画，去思考了！’在梵高的作品中，我看到了杜普雷晚期画作《暴风雨后的黄昏》的影子。 关于梵高和杜普雷的源远，我是回来后查资料才知道的，当时在博物馆，《暴风雨后的黄昏》有两幅一模一样的画布，构图，色彩完全一致。只是左边的是杜普雷四十年代的早期习作，笔触温和细腻，画面光影变化流畅；而右面一副，则是六十年代后的重画，手法已近似印象派，粗狂硬烈，剧烈的色调反差，突出了日落中最后一抹阳光，从滚滚的乌云中猛烈射出。
巴比松画派已经是光影的高手了，陪展的两幅卢梭的作品，都是巧妙的让光线落入树丛，突出画面中心的舞台感，给人以聚焦的想象。杜普雷的大部分作品，亦是以这种颇具戏剧性的构图安排，或是用混暗的背景，突出风景主题的亮点，或是用湛蓝的天空，托出树木的层次感，总之，在他的风景画中，你看到的不是大片的单调田野，满目苍茫，而是一个具有诗意的舞台，一个承担叙事功能的景观。
对于风景画来说，小幅的绘画可以就地写生，而大幅的油画，只有拿回到画室继续创作。这次展出的杜普雷作品中，有两幅大型作品，乡村森林和皮卡第的大海，同样能够看到光线的巧妙变化。在森林的创作中，杜普雷用极为精细的笔触，临摹点出枝叶草木的质感，远观如同照片般精准；而在描绘大海的波涛广阔时，杜普雷同样能抓住阳光在海面上的瞬息变化，呈现出波浪翻滚时的立体动感。所有作品中，几乎没有人物的出现，最多只是远景里的牧羊人，近看也不过是三四个色点，却依然鲜活浪漫，生机盎然。
流连一日，我忽然成了风景画的俘虏，不愿离去。一位画家在现场临摹杜普雷的大作，Luc凑上前去搭话攀谈。这光影，这色彩，这动机，这视角，还有Jules的's'不发音，居勒·杜普雷是最佳的音译。
Luc ,2008年1月6日于法国兰斯美术馆 2007/10/8 醉汉冲入奥赛博物馆，一拳打坏莫奈名画
昨天的新闻，无语了... 周六晚，就在奥赛博物馆准备打烊的时候，一群醉汉冲入馆内，肆意冲撞，其中一人用拳头猛击莫奈的名画《Le pont d'Argenteuil》，造成画布撕裂，严重损坏。据TF1电视台采访文化部官员称，这群盲流在警报声响后四散逃窜，警方至今未能逮捕到一人。 都说法国人热爱艺术，视艺术品为莫大的财富，可如今出了这种事，也太让人寒心了。法国的艺术品是多，国民的艺术素养也确实高，可也不能这么疏于管理，懒散放任。就算当天是Nuit blanche特别节日，也不能忘记保护艺术品是博物馆乃至全民的首要责任，需知这些名画虽在法国，却是全世界的财富，一旦毁坏，造成的损失可不是惩罚几个醉汉能够弥补的。 这不禁让我想到大革命时期法国的那些皇室瑰宝和遗物，在暴民的脚下早已化为尘土，奥赛还有莫奈的六十余幅作品，无数现代派的杰作，再不多加小心，要被后人骂的。 Luc,2007年10月8日于法国 2007/9/6 High C 之王去世
据意大利媒体报道，意大利男高音歌唱家帕瓦罗蒂的经纪人罗伯森今天称，帕瓦罗蒂今天早些时候已去世。
今年走了如此多的大师，个个都是时代的代表者，这难道也是气候异常导致物种灭绝的征兆？ 剩下的牛人们得小心了...
P.s. 鲁契亚诺-帕瓦罗蒂Luciano Pavarotti:
世界著名的意大利男高音歌唱家。全名叫鲁契亚诺-帕瓦罗蒂Luciano Pavarotti，1935年10月12日生于意大利的摩德纳。 帕瓦罗蒂的嗓音丰满、充沛，带有透明感的明亮。其中高声区统一，音色宽厚，带有强烈的自然美感。 1935年10月12日，卢恰诺·帕瓦罗蒂生于意大利摩德纳市。父亲费尔南多·帕瓦罗蒂是面包师，母亲阿黛勒是雪茄烟厂女工，他们都酷爱音乐，父亲是当地颇有名气的业余男高音。帕瓦罗蒂呱呱落地时就拥有一副好嗓子，他的第一声啼哭，就让母亲和医生格外惊讶，医生从来没有听过音调这么高的啼哭。母亲更预言，小帕瓦罗蒂将来会前途无量。 1940年，5岁的帕瓦罗蒂拥有了一把自己的吉他玩具，他用吉他伴奏唱一些民歌，这些民歌是他听了父亲播放的唱片后学会的。他喜欢在午饭后唱，他并不知自己的嗓音很高，以至午睡的邻居经常打开窗，向他抗议：“够了！别唱了，卢恰诺！” 1947年，12岁的帕瓦罗蒂在吃饭时，双腿突然失去知觉，发起高烧，陷入昏迷，危在旦夕。经过7天生与死的搏斗，帕瓦罗蒂奇迹般全愈。以后，帕瓦罗蒂对未来充满恐惧感，并渴望一生能够快乐生活。卖保险的行家1952年，帕瓦罗蒂由父亲介绍到“罗西尼”合唱团，从此开始随合唱团在各地举行音乐会。为了能引起某个经纪人的注意，帕瓦罗蒂不时在免费的音乐会上演唱，但都没有成功。在菲拉拉举行的一场音乐会上，他因表现不佳被满场观众哄下舞台。 1955年，帕瓦罗蒂一边向歌唱家阿里哥·波拉学习唱歌，一边在保险公司做保险推销员，同时还在一所小学做代课老师。帕瓦罗蒂上午教课，下午卖保险，由于兢兢业业，不久就成了卖保险的行家；但对于教课，他觉得像一场恶梦，他承认：“我无法在学生面前显示出自己必要的权威。” 1961年，25岁的帕瓦罗蒂在阿基莱·佩里国际声乐比赛中，因成功演唱歌剧《波希米亚人》主角鲁道夫的咏叹调，荣获一等奖。同年4月，他首次在勒佐·埃米利亚歌剧院登台演出《波希米亚人》全剧。9月30日，他与阿杜瓦在圣福斯蒂教堂结婚。意外得来的声名1963年，帕瓦罗蒂首次在阿姆斯特丹演唱，之后又在英国伦敦皇家歌剧院顶替前辈大师斯苔芳诺演唱鲁道夫大获成功。那一天，本应由斯苔芳诺演唱鲁道夫，斯苔芳诺意外地取消了当晚演出，小有名气的帕瓦罗蒂被推荐救场。演出大获成功，帕瓦罗蒂从此被世界关注。 1965年，帕瓦罗蒂在澳大利亚旅行演出时与萨瑟兰同台演出。此后，他同萨瑟兰成为最佳合作伙伴。萨瑟兰多次校正他发声的缺陷，甚至让他把手放在她肚皮上来感受正确的运气方法。同年他在斯卡拉剧院首次演唱曼图阿公爵。 1967年，帕瓦罗蒂在纪念音乐家托斯卡尼尼诞辰一百周年的音乐会上，被卡拉扬挑选担任威尔第《安魂曲》中的独唱。卡拉扬的提携把帕瓦罗蒂推向更为宽广的世界舞台。此后，在柏林、旧金山等地，帕瓦罗蒂在卡拉扬的指挥棒下高歌，场场轰动。“高音C之王”诞生1972年，帕瓦罗蒂在纽约大都会歌剧院与萨瑟兰合作演出《军中女郎》，在一段被称为男高音禁区的唱段《多么快乐的一天》时，帕瓦罗蒂连续唱出9个带有胸腔共鸣的高音C，震动国际乐坛，从此“高音C之王”成了帕瓦罗蒂的代名词。 1975年12月，39岁的帕瓦罗蒂在回米兰的飞机上，险遇失事，《晚邮报》派高级记者赶赴机场，准备出特刊。最后飞机迫降成功。在空中遇险时，帕瓦罗蒂立下誓言：“如果我能活着，我将和父亲一起在摩德纳教堂唱感恩诗。” 1981年，帕瓦罗蒂出版自传《帕瓦罗蒂：我自己的故事》。他在旧金山演唱威尔第歌剧《阿依达》后，照片登在了《时代》周刊。 “触电”与导演歌剧1982年，帕瓦罗蒂主演平生第一部电影《是的，乔治》，由米高梅电影公司投资，耗资210亿里拉。影片讲述了一位意大利男高音歌唱家在美国巡回演出时突然嗓子失音，接着他与一名女医生堕入爱河，最后重返舞台的故事。影片上映后，恶评如潮。 1986年6月，帕瓦罗蒂率意大利热那亚歌剧院在北京天桥剧场演出普契尼歌剧《波希米亚人》，并在人民大会堂举行独唱音乐会，获得巨大成功。 1988年12月，帕瓦罗蒂导演平生第一部歌剧《宠姬》。演出时，帕瓦罗蒂非常紧张，担心自己第一次当导演会失败，结果获得了成功。在演出后第二天的新闻发布会上，帕瓦罗蒂说：“我必须承认，做导演不是一件有趣的事，我太紧张了。” “三高”携手1990年，在世界杯足球赛举办时，帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯，这三位当代最杰出的男高音携手，在意大利 罗马首次成功举办大型音乐会，引起强烈轰动。演出通过电视实况转播传送至54个国家，吸引了10亿电视观众。 1991年，帕瓦罗蒂在英国伦敦海德公园举行音乐会，庆祝自己在歌剧舞台上演唱三十周年。演出耗资近100万英镑，在大雨滂沱中，12万名观众从头至尾看完演出，其中包括威尔士亲王和戴安娜王妃。 1992年4月，法国外长罗兰得·杜马斯在巴士底歌剧院授予帕瓦罗蒂骑士荣誉勋章。 离婚大战，官司缠身1994年，帕瓦罗蒂和秘书尼可蕾塔小姐的浪漫关系开始，当时尼可蕾塔还是个学生，他比尼可蕾塔大34岁。两年后，他们度假时接吻的照片被曝光，引起轩然大波，帕瓦罗蒂与前妻分居，开始4年的离婚大战。 2000年7月，帕瓦罗蒂同意付给意大利财政部250亿里拉(合1250万美元)，以了结关于他偷逃税款的指控。意大利税务稽查员于4年前对帕瓦罗蒂提出指控，称帕瓦罗蒂曾于1989年和1995年偷逃税款。但帕瓦罗蒂坚称自己没有做错什么。他对这起官司的评价是“满意，也不满意”，“满意，是因为让我感到痛苦的官司终于过去，不满意，是因为我不得不从口袋中掏出几百亿里拉。”同年9月，他与结婚39年的妻子阿杜瓦办理了离婚手续。 2005年10月12日，帕瓦罗蒂将迎来七十岁生日，从2005年初也开始了他的告别舞台世界巡演。他曾在接受美国有线电视新闻网采访时说，他将在2005年彻底结束演唱生涯。他甚至 幽默而坚决的表示：“巡演之后，我即便在洗澡时也不再哼唱了！”因此对他来说这次巡演将是最后一次品味面对歌迷的喜悦，帕瓦罗蒂深情地说：“我将重新回到以前演出过的一些城市，我的感觉就像是在度假，我将感谢多年来一直支持我的歌迷。我的心中充满了怀旧的感觉，就像在重新掀开一本旧书，每一页里都写满了回忆，读到它们就好像又回到了从前。” 2005年12月，帕瓦罗蒂告别舞台全球巡演将到达中国：6日——上海，10日——北京。这就意味着在帕瓦罗蒂44年辉煌的艺术生涯的结尾，北京将是一个非常重要的标点！“帕瓦罗蒂告别舞台全球巡演 北京演唱会 ”，将是对二十世纪的歌剧和男高音歌唱艺术的总结性发言，也启迪着二十一世纪古典音乐的未来！让我们共同期待——这场空前绝后的文化盛宴！ 帕瓦罗蒂在40多年的歌唱生涯中，不仅创造了作为男高音歌唱家和歌剧艺术家的奇迹，还为古典音乐和歌剧的普及做出了杰出贡献。帕瓦罗蒂经常举办大型的户外演唱会，无论是伦敦海德公园、还是纽约中央公园，每次都能吸引几十万现场观众和数以百万计的电视观众。从1990年开始，帕瓦罗蒂还联手多明戈和卡雷拉斯组成了史上最强的演唱组合和演出品牌“三大男高音演唱会”，从罗马古代浴场、洛杉矶道奇体育场、巴黎埃菲尔铁塔……直到北京紫禁城的午门广场，“三大男高音”的歌声响遍全球。此外，帕瓦罗蒂还以他宽宏包容的音乐态度、善良广博的爱心以及无与伦比的强大号召力，创立了“帕瓦罗蒂和朋友们”的超级品牌，与斯汀、U2乐队等众多流行音乐巨星同台演唱，为遭遇贫穷、战乱的地区和儿童筹款。帕瓦罗蒂以多种轻松、娱乐的方式，将几百年一直局限于古典音乐殿堂的美声歌唱，带到了普罗大众中间，并受到了最广泛的关注和欢迎，这不仅促进了古典音乐市场的繁荣，同时也带动了一股新的音乐风尚，更为古典音乐注入了新的生命。 2007/2/13 情人节，去看电影
淅沥沥的小雨，不停的下。手脚湿透冰凉，女孩躲在男孩的怀里，红色的雨伞也被风儿吹的东倒西歪，发稍与大衣之间躲满了水滴。
“去看电影吧”男孩提议“那里暖和，还可以喝杯热咖啡，看部有趣的电影”
“好吧”，女孩仰起头，脸颊因为靠在男孩胸口上，一小片红晕。
Opera电影院就在不远处，女孩拉着男孩，一路小跑，雨伞在男孩的手中，像只风筝，半空中飘摆。
售票厅里挤满了人，有买票等待入场的，也有多雨休息的。男孩喜欢这家艺术影院，经常来这里看电影，熟悉的穿过人群，找到了上映表和新片海报。
“呵呵，浪漫的法国人难道不过情人节？”男孩诧异的看着海报。
“怎么？没有好电影吗？”女孩也凑过来，低头查看上映时间。
“二月十四日上映的新片里，竟然没有一部真正的爱情片”男孩指了指海报，“一共七部新片：《La mome》,《Taxi 4》,《The Good German》,《Il a suffi que Maman s'en aille... 》，《The Last King of Scotland》，还有《Italianetz》，主题都不是爱情”
“大概对于法国人，每天都是情人节，不特意为今天吧”女孩也感到奇怪。
“那我们挑一部有趣的看吧，反正今天看什么不重要”男孩朝女孩狡黠的眨了下眼睛。
“呵呵，关键是和谁一起看吧。”女孩也会意的一笑，“《La mome》怎么样，这两天都是这片的节目，好像不错。”
“Edith piaf 的传记片，哥迪亚和德帕迪约主演，应该不错的。不过她的晚年凄苦，可能有点悲伤哦”
“《The good German》呢，美国片，看海报很像《卡萨布兰卡》啊”
“索德博格的，入选柏林电影节，美国反映一般，今天看会有些压抑。”
“那这个《The Last King of Scotland》看上去像历史剧，很沉重吧”
“是很沉重，不过不是历史剧，说得是非洲政治，有点像前年的《卢旺达酒店》”
“怎么都这么严肃啊，一点也不浪漫，这哪是情人节该看的电影”女孩有些失望，回头看看门外。天已经漆黑，雨还在下。
“这两部看上去像是儿童影片，一部法国的，一部意大利的，应该很有趣吧”，海报上的孩子一片天真可爱。
“要看喜剧，那咱们干脆看《Taxi 4》，肯定搞笑”男孩们都爱看情节紧凑的片子。
“Taxi 1，2 还不错，可3 就不行了，不知道这4怎么样”
“应该不错吧，昨天Canal+ 不是采访吕克.贝松，还放了片花，感觉不错，这集是警察局长发飙了”
“唉，没办法，没有爱情片，只能选这个了”，女孩站起身，想活动一下腰腿，发现排队的人群开始移动了。
“快，马上就开演了，你去买票，我去买爆米花”有零食吃，女孩就迫不及待了，轻轻推了男孩一下，一蹦一跳到柜台了。
“两张票，我有月卡”男孩掏出皮夹“嗯....还是《La mome》吧”
Luc，2007年2月14日于法国兰斯
Ps. 本故事Luc虚构，如有雷同，恭喜恭喜，良宵一刻值千金。
附上情人节法国上映新片，已作翻译：
      《玫瑰人生》 《善良的德国人》 《苏格兰最后的国王》 《妈妈不在也好》 《意大利人》 《的士速递 4》 2006/8/5 教堂之旅（二）二、 科隆大教堂
科隆大教堂作为典型的哥特式建筑，很大程度上受了法国教堂风格的影响。哥特式建筑自12世纪起兴起于法国，以整体的庞大和细节的繁缛震动人心是哥特式建筑的共有特点，在400年的时间内，其尖挺向上的神圣雄姿遍布英、德、北欧、中欧。科隆大教堂作为歌特式的典范，体现了当时人们对信仰的无限崇敬。其内的朝拜者通常满足于持久的平视，会不由自主的向上仰望，以求天国的恩典。教堂内保留了德国教堂中最大的圣坛，以及许多珍贵的法器，神龛和圣徒的棺木。登上大教堂著名的两个尖塔，人们能够俯视科隆全城，眺望静静流淌的莱茵河，享受空气里弥漫着的‘4711’香水的味道。 三、 米兰大教堂 米兰大教堂，一直和佛罗伦萨大教堂争夺世界第三大教堂的称号，而对于欣赏它的人来说，最感兴趣的还是那无与伦比的独特风格－‘燃烧的哥特式’。作为十四世纪最时髦的风格，其新颖之处不在于建筑的结构，而是在于它丰盛繁茂的装饰，整幢建筑就像被雕刻出来一样，外部也布满了镂空的三角楣和椭圆窗饰，象火焰一般伸向苍穹。 大教堂于1368年由米兰大公Gian Galeazzo Visconti下令兴建，主体建筑一直持续了六百多年，1418年主祭坛完工启用，1617年教堂正面工程展开，仍以歌特式为主要风格，1774年主尖塔圣母像建成，1813年拿破仑下令建成正墙面及所有尖塔，一直到二十世纪初，今日所见的正面铜门才装置完成。由于工程时间长，设计者换过多次，其风格也融入了许多样式主义和巴洛克风格。 从外观上看，火焰般的哥特式尖顶多达138座，2245座雕像，取材于自圣经人物。下半部雕饰的巴洛克风格，精美纤细，正面五扇铜门上，分别刻有教堂历史、米兰历史、圣母生涯和君士坦丁大帝的“米兰诏书”等。 教堂祭坛上供奉着的一根钉子，据说是取自耶稣被钉死的十字架上。所以说，无论从哪个方面看，米兰大教堂都堪称意大利哥特式建筑与文艺复兴艺术的完美结晶。 Luc, 2006年3月于法国 2006/7/31 欧洲教堂之旅（一）
教堂，这个曾经在西方社会和历史中，扮演过重要角色的主导者，已经彻底的退出了舞台的中心。基督教在迫不得已的边缘化，教堂作为建筑，作为文化象征，已处于现代文明的夹缝之中。视为信仰场所的教堂，由于主体精神的逐步丧失，在现代城市近百年的演变之中，让位于更为实用化的功能载体，用纯色的肃穆来映衬炫目的繁绕；用圣像的绝然静止来对抗世间的瞬息万变；用傍晚如期的钟声来维系自己最后的一份尊严。 西方城市的传统规划常以教堂为起点，然后依次是广场和街道向外扩展蔓延。基督教诞生两千多年来，教堂就一直在发展演变，如今世人能够看到的多为中世纪以后兴建的各类教堂，犹以大型教堂最为著名。按风格年代主要为罗曼式，歌特式，以及早期的加洛林式和更晚期的文艺复兴、巴洛克式。
本文选出分布于西欧、南欧和东欧，具有代表性的教堂一组，附以相关背景介绍，建筑风格，以及历史传说和内部文物。
一， 巴黎圣母院（法国）
二， 科隆大教堂（德国） 三， 米兰大教堂（意大利） 四， 萨尔茨堡大主教教堂（奥地利） 五， 兰斯大教堂（法国） 六， 圣索菲亚大教堂（土耳其） 七， 慕尼黑大教堂（德国） 八， 维也纳圣斯提凡大教堂（奥地利） 九， 巴塞罗那圣家族教堂（西班牙） 十， 梵蒂冈圣彼得大教堂（意大利） 另， 法国郎香教堂（法国） 一、 巴黎圣母院 巴黎圣母院是巴黎最具有代表性的建筑之一。其位于塞纳河上的斯德岛上，是巴黎第一座歌特式建筑。提起她，很多人都会想起雨果的名著《巴黎圣母院》，以及相关的电影和音乐剧，巴黎圣母院也因此扬名于天下。而在建筑史上，巴黎圣母院也有其独创的意义。1163年开始兴建，1345年建成，1844年整修，增加了106米的高塔，为现在的样子。大教堂整个建筑为大理石雕砌而成，正立面冲西，上边有两个63米高的塔楼，其中南侧为钟楼。上中下三层有装饰带区分，上层的塔楼由立柱形成的明廊联系在一起，中层的中央是直径10米的玫瑰花型的大圆窗，中间雕刻的是圣母圣婴像，两边侍立着天使像。大圆窗的两侧是对称的拱形石质中楞窗子，雕刻装饰的匀称严谨。最下方是三个内凹的雕饰门洞。每个门洞上都精雕细刻正成百上千个人物形象，代表着天堂或地域的神灵。中间门洞表现的是“最后审判”的故事，中分柱上是基督像，其上为圣母玛丽亚和众多天使。门洞上方为28尊代表以色列和犹太国王的雕像，成为国王廊。
与艾菲尔铁塔和拉德方斯所代表的现代巴黎相对应，巴黎圣母院和卢浮宫无疑是古老巴黎的象征。然而，让人诧异的是，如此著名的巴黎圣母院，却并不在联合国世界文化遗产名单之上。 连载，未完待续...
Luc,2006年3月于法国兰斯，原文发表于《Style》 杂志 2006/6/19 一亿三千五百万美元:艺术品拍卖新记录
在中午满是法国队平局的新闻里，插播了一条不起眼的文化消息，更加吸引Luc的注意： 奥地利分离主义大师Gustav Klimt（克林姆）的画作《Un portrait d'Adèle Bloch-Bauer /阿黛勒的肖像 (1907年)》刚刚在纽约拍卖行，创下了1亿3千5百万的天价，超过前年毕加索的油画：《Le garçon à la pipe/持烟斗的男孩》，成为了世界上价格最高的艺术品。
Luc曾在维也纳的美景宫博物馆里，见识过克林姆的代表作《Kiss/吻》，被这种独特的装饰主义和镶嵌风格所吸引。 2006/4/20 Joan Miro 的超现实
今天google把图标换了，变成了Joan Miro （胡安.米罗）的风格，纪念这位西班牙二十世纪最伟大的画家诞辰113周年（20 avril 1893）。
最喜欢米罗1922年到1935年那个时期的作品，超现实主义的色彩，来自于他到巴黎所接触的艺术圈子。26岁的米罗在巴黎身无分文，却渴望留在艺术的国度，“我再也不回Barcelona了！除了回巴黎以外，就是到乡村去，直到我死都如此坚持，在Cataluña沒有一個画家能获得全面的发展..” 在现 代音乐和绘画的潮流中，米罗开始逐步形成自己的风格：尽量的简化人物和色调，才能产出生动的想象生命。Surrealisme（超现实主义），Dadaisme（达达主义），甚至  是康定斯基的抽象艺术都让他获得灵感。音乐也融入色彩，变成一个个的符号，随意的跳跃，例如这幅《Danseuse》。在米罗的超现实里，没有太多的潜意识描写，却充满了线条和色彩的舞蹈，诗意的梦境，轻盈如童年。1925年六月，米罗在巴黎的Pierre画廊举办了自己第一次个人画展，在那里他先后举办了多次‘超现实主义’的主题画展。1929年11月，米罗和Pilar Juncosa 结婚，年轻的夫妇决定在巴黎定居。其后的两年，生活拮据的同时，米罗连续举办了几次画展，包括第一次在纽约的成功，迎接女儿的出生。在巴黎的时光，米罗参加了许多公众活动，表明了自己对艺术和政治的立场，祖国正在战争的阴影之下。1932年他回到了在巴塞罗那的童年故居，直到1936年西班牙内战爆发。 米罗和毕加索类似，一生的风格多变，涉及的艺术领域广阔，1941年后的《la série des Constellations》把他又带入‘星座时期’。五十年代和六七十年代，米罗又致力于陶瓷画和雕塑的创作，为联合国教科文大厦创作的大型壁画‘太阳’、'月亮'。1983年12月25日圣诞节，九十岁的米罗在Majorque逝世，6年后，达利也去世了。 Luc，2006年4月20日于法国兰斯
2006/2/2 溪山行旅 中午给国内的好友打电话，突然想起几年前，一同去看书画展的那个周末。当年轰动一时的‘晋唐宋元书画国宝展’，我俩在上海博物馆门口排了一个早上的队，终于得见72件国宝真迹。总觉得自己很幸运，在国内时能亲眼看到中国书画艺术的精髓，如今在法国朋友面前，谈起西方古代绘画和建筑，尚可列数同时代的东方艺术。
幼时学画，懵懵懂懂，只知道照猫画虎，依葫芦画瓢，后来数理化全上来，只得把笔墨纸砚搁到一边。等到重新拾起时，已经满是灰尘，手笔生疏，心中遗憾，只能更多的搜赏他人的佳作，从别处补偿自己。在欧洲待的久了，每到一地，最先看的都是美术馆，世界名画、大师巨作也见过不少，更加觉得中国书画艺术的弥足珍贵。上千年来几经磨难，能流传到今人之手的不足十之一二。除去皇家大内，中国的古代艺术品大都在民间艺术家手中辗转易手，稍有不慎，就毁于一旦，在加上朝代更替，兵荒马乱，多少前人心血结晶不知下落，让后人只得手扶史册，空留遗憾。中国的书画由于材质的缘故，本就脆弱，若在碰到吴问卿等痴疯之人，临死还要把《富春山居图》烧毁殉葬，着实让人扼腕叹息。同样在欧洲，博物馆里十二世纪之前的艺术品也不多见，木雕、壁画大多腐朽破损，只有石刻建筑尚存，其中多亏教堂的收藏和庇护。就年代而言，晋唐宋元大体在欧洲文艺复兴之前，当时的中国社会，就发达程度尚在欧洲之上，艺术环境也更为独立自由，不像中世纪时的西方艺术，只是宗教的附庸，服务于教廷和贵族，普通百姓既无权力享受，也无能力欣赏。不少皇室贵族，例如奥地利女皇，对东方舶来的艺术品颇为喜爱，宫中收藏大量的中国瓷器和家具，或买或抢，不远万里运到西方；可他们不知道，中国艺术的精华并不在这些耀眼的器皿里，他们也无从欣赏，那些破旧纸卷里，饱含的中国文化。
欧洲人写自己的艺术史，就用《Histoire de l'art》,中国人翻译过来，还得在前面加上‘西方’二字，已示其与东方艺术的巨大差别。 单就绘画中的风景和静物，从对象主题、构图环境，到表现手法、色彩用笔，中西方艺术的见解就大为不同。魏晋之时，中国就已经有独立的山水画，这就比西方早了上千年，隋唐以来，理论技法已相当纯属，展子虔的《游春图》开青绿山水之先河，之后五代的荆浩，董源，北宋的李成，范宽，再到黄公望等元四家，把中国山水画推到一个艺术的顶峰。与此同时，欧州还在中世纪的黑暗之中，艺术的主题仅仅局限在圣经故事，希腊神话和贵族生活。阴暗的罗曼式教堂的壁画里，只有悲伤的圣徒和十字架上的基督；为数不多的世俗风景画，大都构图呆般，局小仓促，哪能见到董源的《潇湘图》里哪种水峦层叠，千里江山，任意展开，无限广阔的景象和意境。直到十八世纪法国巴比松画派出现之前，欧洲画师的传统，都不重视风景艺术，自从工业革命之后，法国、尼德兰和俄罗斯的画家才倾向于田园牧歌般的大自然景色。色彩的放任，自由的构图，欧洲的艺术家在几百年之后才找到一点点中国画家早已渗入骨髓，融入画笔的洒脱和情怀；可他们偏还要用巴洛克的人工画框，把原始的风景，圈在小小的方寸之间。纵然有标准的透视法，纵然有巨大满墙的画布，可西方人不知道，在中国的水墨长卷里，如若画家不收手，观者也会随着江中小舟，一路飘荡下去，如绵无期。 西方几无‘书法’这门艺术，不能理解东方人为何把看似简单的‘写字’拔高到同等于绘画的地位。书法里蕴含的是中国文人的风骨和精神，就像‘玉’不仅仅是块白色的宝石，更是道德和操守的表体，当年英国公使马克尼看不出乾隆所赐玉如意的珍贵，至今的西方人也无法参透书法的魅力。虽然欧洲的圣经古迹，手稿文献里也有华丽的装饰字母，花体文字，可那只是僧侣和工匠的少许图案造型，偶尔丰富呆板生硬的拉丁字母。简简单单，二三十个符号如何能与成千上万的方块汉字相比，西方人又如何能在潦草之外，享受龙飞凤舞，颠张狂素的境界。 如今，国内的美术院校，基本采用西方的艺术体系教学，从石膏素描开始，人体解剖入手，逐步深入到色彩造型。而中国传统绘画，尤其是文人写意画，讲究的确是神似和意境，忽略外型的模仿，看似随意夸张，实则却渗透了画家主观的理解，和对象内在的气质。 美其名曰来法国学造型艺术的中国学生不少，却并不都是真正向往这纯净的缪斯之美，许多是冲着所谓设计、装潢而来，满脑子想着学完了出去赚钱，为广告公司画海报。且不论是否真有天赋，可这初始的目标就不对。真正的艺术家大都清贫，虽然生后广受赞誉，可在世时多是穷困潦倒，饱经沧桑，古今中外皆是，如莫迪里亚尼，如王冕。如今的艺术，许多已经沦为商业的载体，很多人挂的是艺术家的名，行的却是商人的手和心。世风日下，人心不古，当年郑燮不流世俗，甘愿贫苦，如此的清风傲骨今世已罕有可闻，画者都以拍卖行、画廊里，作品的标价为荣，画卖越贵，自己的身价就越高，仿佛艺术成了金钱的标尺，艺术家成了价格的代码，世道如此，可悲可叹。 Luc,2006年2月2日有感于法国兰斯 2006/1/20 百水先生的‘儿童画’ 从地铁站出来，Luc又来到了多瑙河边，冬季里的她已不再蔚蓝，只是在河岸边，漂浮着寒意的白色，鸟儿在觅食。总体来说，维也纳的建筑风格是保守的，王宫广场上满是新古典主义的庞然大物，国家歌剧院,戏剧院和市政厅都与巴黎的街头如此类似。本来就是帝国的首都，贵族们那里容得下太多的另类思潮，以至于当年，约瑟夫皇帝因为忍受不了‘分离艺术博物馆’的前卫，害怕从皇宫后门出入。 可这现代主义思潮和新美学观点，又岂是旧的王朝能够抵御的了的。战后的维也纳同样还是迎来了自己的新标志建筑，除了分离博物馆，就是两座百水先生的作品了。 拿着手中的画册，Luc一路打听，维也纳的老人听不懂我的英语，却坚持给我带路。三站的有轨电车，安静朴素的街区，百水先生的积木就藏在这里。 忽然在满是老式建筑的街区里，发现一个独特的精灵，我的眼睛也随之跳跃起来。麻木了都市里的玻璃钢架，也看惯了旧城里的城堡雕墙，却不想在这里碰到一个不算建筑的‘建筑’。不，准确地说，他在我眼里不是建筑，而更像一尊雕塑，一座盆景，一个立体的水彩画。 这里没有平面，没有直线，从第一座立柱之下，就是隆起的地面。建筑师最需要的就是想象力，而百水先生根本就不是建筑师，他是一个画家，纯粹的造型艺术家。任凭自己的艺术想象纵横驰骋，'对不规则的容忍'，成了他的原则。楼房的立面上，窗户大小不一，阳台散乱无序，色彩斑斓，房屋的划分也没有呈规则的四边形。蓝色波浪式的围墙，红色的立柱和电话亭，绿色的树木从墙壁里长出，百水楼早已不是传统理念上的无机住所，更不是现代主义的功能机械，而成了具有生命的玩具。 习惯思维，我眼里看到这毫无规律的几何造型，脑子里想的问题是：假如内部布局上也是如此任意，如何保证结构上的安全？所谓‘上梁不正下梁歪’，如果承重部位也如此不规律，那在力学上就不可避免存在薄弱点。荷兰鹿特丹著名的‘倾斜的房子’，虽然也没有垂直和水平的外部，可至少它是有规律的对称，用直线来保证坚固，而这个百水楼如果梁柱扭曲，那怎么可能存活下来。百水先生追求的是房子的美学实现，可能不大会考虑这些力学问题，据说施工期间，百水鼓励工人们充分发挥自己的创造力，很多镶拼的地方都允许工人们自己创作，他甚至鼓励工人们不要用水平测量仪、角规等这些传统的测量工具，一切“手工制作”。这哪里还是造楼，连搭积木都算不上，简直就成了捏橡皮泥了。 既然是橡皮泥，那就不会缺乏丰富的色彩和细小的造型。许多人说百水楼很像巴塞罗那高迪的风格，同样是天马行空的想象力，同样是雕塑装饰的建筑化，可我却认为他们还是存在许多不同。譬如年代和风格导向上，百水倾向于新装饰运动，着重色彩和曲线，受绘画的影响也更明显，当然，他在商业上的成功也不小。 也不只是哪位中国人把‘Hundertwasser’翻成‘百水’，很少见的意译，却显得一分灵气，正和了老画家风格里的不拘一格，变化无常。Luc走在楼底起伏的地面上，一脚高一脚低，仿佛正在海面上起伏，一个浪头，就会把我打入到房间里的梦幻之中。 只可惜，百水楼并不是供认参观的博物馆，这里仍然是居民的住所，房客里有不少是艺术家和作家，躲在艺术里创造艺术。而这个早晨，我能看到房间内部的只有对面的礼品店，同样的风格，却因为内部的光线复杂，显得更加梦幻。彩色的立柱，歪斜的楼梯，潺潺的流水和泥土树木，不像建筑的内部，倒像是微缩的自然盆景。 对面的画廊里，有幅柯林斯的《吻》，虽然是复制品，也同样闪烁着装饰艺术的光彩。Luc推门进去，本意只是取个暖，发现货架上也有百水楼的明信片，就买两张留作纪念吧。美丽的画廊主人在我的袋子里又放了三块巧克力，‘圣诞礼物’，一点点惊喜。真可惜，要是懂德语，那就可以和她在这个清淡的早晨聊一会儿艺术，谈一谈百水老人。 再买一张明信片吧，感谢这艺术和巧克力，也为了再收藏两套奥地利的欧元硬币。 Luc,2005年12月27日于奥地利维也纳
最后两张是百水先生的垃圾处理厂 |
科隆大教堂始建于1248年左右，双塔高达157.38米，东西长约145米，南北宽约86米，建筑面积约6000平方米。整个建筑全部由磨光的石块砌成。科隆大教堂的建造前后整整持续了632年，是欧洲建筑史上建造时间最漫长的建筑物之一，是当时德国人兴建的一座宏伟的纪念性建筑，具有早期基督教时代的朴素风格。 
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