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2009/11/22 《2012》：美国设计的末日 中国制造的方舟
导演罗兰·艾默里奇在《2012》里堆砌的特效，于技术上毋庸置疑。世人经历过、能想象的所有自然灾害都在影片中呈现殆尽，真实感所营造出的视觉上的“好看”在这部灾难片中发挥到了极致，地震、海啸、火山喷发……水深火热的人类几无可逃，如《后天》、《彗星撞地球》等片的大合集。末世的无助感在影片的前半部分被肆意渲染，可又在影片的后半部分被主人公一家的“幸运”逃脱而逐步消解。借助于电脑数码技术，灾难片已经完全可以做到叹为观止，但这种景象重复多了，并不能愈加深入地打动观众，反而变得模式化。等到方舟赫然出现，需要仰视这《星球大战》里才有的庞然大物时，作为灾难片的《2012》其实已经变成了“科幻片”。 在灾难片里必须提供的“终极解决方案”上，艾默里奇提供了一个并不新鲜的精英路线，为了撇清《独立日》中过于明显的美式沙文主义，《2012》里刻意强调了所谓的国际合作。然而，我们看到所谓文明的拣选仍无法做到真正的公平，导演没有回避这种不公，却也无法给出解释，最后只得用道德救赎来煽情。中国作为“世界工厂”的地位被再次强调，“只有中国人能造出来”， 作为一句字正腔圆的夸赞，也显得有些突兀和生硬。可造船的中国工人们，并未算在被救赎的范围内，还是“走后门”式的自救或是精英们的怜悯才得以逃出生天。如果把《2012》仅仅当作一部好莱坞的商业产品，那中国只是能造出来方舟的“工厂”，“Made in China”还得掏钱来给“自己的方舟”捧场。票房的最终受益者还是出点子的美国人。在影片中决定人类命运的G8会议上，并没有给出中国决策者的镜头，在中国造方舟似乎仅仅是取决于喜马拉雅山在地理上的高度。以小喇嘛、工人大哥和卢燕扮演的老奶奶为代表的中国人，其实和丧生海啸的印度科学家处于同一阶层，他们始终没有被作为抗灾的主体来对待，还是10亿欧元买来的通行证来得保险、踏实。 影片为了做“大”，基本涵盖了地球上各国阶层和族裔，然而仔细分析这些稍纵即逝的人物，就会发现除了美国人自己，其他大都是单薄、刻板的形象。尤其是自私的俄罗斯富豪和阿拉伯王公，基本就是美国人对他们的一贯印象，并无改观。即便是梵蒂冈教堂和巴西里约热内卢耶稣雕像的坍塌，也只是宗教上的象征意义，毫无抵御灾难的主动性。即便片长有两个半小时，但导演艾默里奇还是来不及深入地刻画人物。代表美国中产阶级的杰克逊由谁来扮演无所谓，怎么演也无所谓，他可以是约翰·库萨克，也可以是汤姆·克鲁斯或者尼古拉斯·凯奇。作为还算戏份多的主演，库萨克所做的只是从一场灾难跑到另一场灾难里，在汽车、小飞机、大飞机、方舟等各种交通工具里安慰孩子，反正总能利用“最后一分钟法则”成功脱险。模式化的场面在《2012》中出现了多次，电影的长度只是和灾难的次数成正比，在不断重复同类型的影片的桥段后，库萨克终于扮演了一回《海神号》里的“牧师”，牺牲掉了情敌，保全了自己一家团圆。 银幕上的黑人总统如今已是现实，丹尼·格洛弗虽不及奥巴马年轻干练，倒也显得沉稳厚道，最后一刻的大义凛然不再像《彗星撞地球》那么虚构，灾难片也与时俱进，符合美式的主旋律。作为三军统帅的一国元首，总揽大局，身先士卒，即便牺牲在自家的航母之下，照样能感动全世界。这才是好莱坞的精明之处，艾默里奇这位德国打工仔领会精神，既捧好了领导和老板，又哄好了全球观众，赚个盆满钵满当在情理之中。
Luc, 2009年11月于巴黎 发表于《东方早报》转载请注明出处 2009/11/16 2012年的奥巴马 美国人民敬爱的好总统...
来中国讨论怎么造“方舟”呀。
“这活儿，只能交给中国人来做了”
其实，你们美国人是知不道哇，俺们中国人偷偷造了好多山寨版的“方舟”，藏在山洼洼里。十亿欧元多贵呀，山寨版同样管用，嘿嘿。
2009/11/14 《蝙蝠》：极恶终有道【重写了此片影评，限于篇幅，没能展开。片子太好，可说的很多。朴导现在不爽，因为DVD还没出，网上已经有视频了】
虽然大钟奖没有留给朴赞郁一丝的机会，可至少他在戛纳的最后一天，赢得了欧美评委的首肯。对比拿下最佳影片的《神机箭》，我们可以看出即便在韩国本土，像朴赞郁这样沉迷于个人风格的导演，并不能被主流观众所接受。在《蝙蝠》撒血的两个多小时里，充斥了过于癫狂的极致镜头，那一次次的生死场面，内里却是信仰、爱情和道德的重重纠葛。对于人类来说，极恶是一种寓言，等太阳照常升起时，吸血鬼也有瑰丽的归宿。
很难界定《蝙蝠》算何种类型的影片，亚洲人拍吸血鬼，出发点和视角都不同于其欧美发源地。以《复仇三部曲》扬名国际的朴赞郁，借吸血鬼这个题材，不断拷问每一个普通人的生存意义，善恶取向。死而复生、飞檐走壁的吸血鬼属性，让全新的宋康昊和金玉彬一次次得完成朴导在镜头和场景上的新构思，踏上自我毁灭之路。整部影片更像一幕幕怪诞的舞台剧，封闭压抑的空间里，观众可以俯视角色的心理演变，从恐惧到扭曲，没有一个人纯良，无需怜悯。
比起宋康昊扮演的神父，“欲女”金玉彬这次在影片中更为抢戏，可以说，她继承了朴赞郁前作中的复仇主题，也因为复仇而最终堕落。这一对夺命鸳鸯，就像许多经典故事中那样，由奸情发展为犯罪，彻底诱发出人性全部的“原罪”，《蝙蝠》带来一种悲凉且浪漫的宿命感。金玉彬在影片中从怨妇变成妖姬，肆无忌惮的嗜血，也逐渐消磨掉宋康昊身上仅存的道德约束。而宋康昊本身作为宗教人士的救赎性，又与无法克制的嗜血欲望相矛盾，显然是导演朴赞郁借此凸显出人性的善与恶。
并不是所有人都能接受《蝙蝠》的风格化，杀戮的场面稍显厄长，叙事方向也有点散。影片中的镜头角度，都充满了明显的朴式趣味，尤其在两人都成为吸血鬼后，肆意的特效，强烈的色调，让喜欢他的影迷们无比兴奋。影片中也不乏黑色幽默，多来自于宋康昊纠结于两种身份之间的无奈，譬如当他犹豫是否吸食病人血液，是否要挽救金的性命时，这都预示着人性“恶”之面的挣扎。魔幻色彩和Cult趋向，把谋杀亲夫的老桥段打扮一新，那些丈夫，婆婆等配角的设置也多为喜感。抡起起刀斧的动作，或许没有《老男孩》里那么残忍凌厉，可飞腾跳跃的吸血鬼之舞，却另有一份飘逸的美感。
Luc，2009年11月12日
发表于《新京报》有删改 2009/11/10 《胜利》： 意大利式的情人 如果把片名意译为《墨索里尼的情人》，那就丢掉了导演对这段历史的“观点”，失于平述直白，毫无韵味了。马可·贝鲁奇奥的悲怆和警喻，在影片中随处可见，他手中的黑色影像，并不是蒙在达尔塞身体上的神秘面纱，而是独裁者恐怖的冷漠绝情。这个被遗弃的悲惨女人，是整个意大利社会转性时的弃妇，而不仅仅是墨索里尼的“情人”。
独裁者秘史
《胜利》是一部有着伟大风骨的作品，他的题旨是“强人秘史”，对象是政治背后的女人，一个被时代抛弃的女人。“元首的情妇” 伊达·达尔塞是历史上真实存在的悲剧人物，她一生都无法摆脱独裁者墨索里尼，对曾经的迷恋无法忘怀。但是元首早有妻女，无情的抛弃了伊达和独生子，把他们投入精神病院。影片在达尔塞携子回到家乡后呈现出剧情的分水岭。前半部是她与年轻的墨索里尼之间的爱情，虽然是情人关系，但还算真挚执着。达尔塞义无反顾的爱上了这个“革命者”，卖掉家产全力支持他的事业。然而墨索里尼背弃了她，就像背弃左派投靠右派纳粹党一样，演员安东尼奥·阿尔巴内斯扮演的政治投机者从银幕上消失了，取而代之的是纪录片里那熟悉的秃头独裁者。
对于墨索里尼的塑造，意大利电影一直以来都不惜余力，甚至于有些妖魔化，脸谱化这个法西斯独裁者。从卡洛·里扎尼1974年的经典《墨索里尼的末日》，到安东尼·班德拉斯的电视剧版本《年轻的墨索里尼》，都从不同侧面表现了独裁者各个阶段的形象。对于贝鲁奇奥来说，后者中的墨索里尼正式他要在线的投机者。这是个有血有肉的躯体，包裹着肮脏的灵魂，并不是一般意义的小丑或恶魔。影片取名《Vincere》，实际上是意大利语单词“胜利”的祈使形式，出自墨索里尼当年为煽动民众，支持其战争鼓吹所作的演讲稿。影片中年轻的墨索里尼浑身上下充满了慑人的魅力。他张扬，狂躁，野心勃勃，充满战斗力，为达目的不择手段，在现在看来，墨索里尼的政治立场是摇摆投机的。他曾经是一位代表左翼劳工阶层的无神论者，却转而为获得政治支持与教皇结盟。影片中的墨索里尼只有欲望，眼神里对权力的无限渴望，心中则毫无信仰和道德底线。从墨索里尼的这一种性格来看，对他一往情深的伊尔达其实也只是感情投机的工具，只是在需要的时候加以利用，当精神、肉体和物质上的支持不再需要时，就被无情抛弃了。
即便在风暴到来前，还有那一点点的和煦晨光，影片中也不是完全没有感情戏，但都处理的克制严谨，单方面展现了达尔塞的一厢情愿，令人同情。在《胜利》的上半部里，阿尔巴内斯把墨索里尼早期的激情融入到眼神和举止中，在他不断扬起的手腕和激荡的额发里用气势压倒观众。这种表现力度，在如今的影片中很罕见，一种直勾勾盯着前方的枭雄之气，投入到每一场都是歌剧舞台上的重头咏叹调。即便是对达尔塞难为其一的感激之后，影片里的墨索里尼也会在床底上恢复对极权的自我狂想，仿佛身下不是温柔倾心的情人，而是整个意大利的未来，每一次强烈的撞击带来快感，强烈的控制欲从银幕上蓬勃而出。
悲鸣的母亲
 这部剧情与记录交互剪辑的影片里，有着大量戏剧化的舞台表演方式，也有这如今罕见的表现主义风格镜头，高对比度的色调，提醒观众影片的历史真实性。意大利人独有的激情，在床上和讲台上都一样，不得长远，随时背弃。达尔塞的悲剧，就在于她本没有正室妻子的地位，又丧失了母亲的资格，任人宰割依然对男人抱有幻想。幸好，她觉悟抗争了。
再一次看到意大利著名女星乔凡娜·梅索兹欧诺，几乎完美的演绎了这个被抛弃禁锢的女人，虽未拿下戛纳影后，但也是影评人和记者投票呼声最高的女演员之一。梅索兹欧诺在银幕上有一种脱俗的美感，即古典又显得叛逆，很适合这个二十世纪初的独立女性身份。在《霍乱时期的爱情》、《心中的野兽》和夺得威尼斯影后的《外欲》中的表演，已经让世人惊艳于她的爆发力。《胜利》里的女人，爱的彻底，爱的疯狂，愿意为早期的墨索里尼付出任何代价。在这种强烈的爱情互动中，影片中自负的墨索里尼，在街头受伤和报社资助时对达尔塞的支持也心存感激，甚至打算过秘密的结婚。毕竟她比粗鄙的农妇有教养多了。但在政治和权利的强势下，墨索里尼完全变质为电影胶片上的战争机器人，运用法西斯主义的口号控制民族，爱情，情人和私生子都成了绊脚石。更为可悲的，私生子对从未蒙面的父亲，由憎恨到崇拜之时，他的母亲还在精神病院里备受煎熬。这一段落的叙事风格，与《飞跃疯人院》、《换子疑云》类似，不复影片开局里那种强烈的政治意味。纯靠梅索兹欧诺精湛的演技调动剧情，她在精神病院里的求生欲望，对迫害的恐惧和抗争，穿插在墨索里尼的新闻记录片里。虽然这里情节并不新鲜，但从贝鲁奇奥的手中刻画，仍然力道峻猛。梅索兹欧诺时而哀怨时而愤懑，爱恨交织，记忆与臆想重合，蒙太奇里仍有一种真实的震撼力，那种痛楚和摧残细细入目。
影片中这两种风格的悄然转变，就像是歌剧的上下幕转场，主导链接的重要道具，就是那张“结婚证”。为了保护这张纸，曾经如此美丽聪慧的达尔塞被折磨地精神失常，她逃回家乡，把结婚证藏在亲戚家里，寄望能再次证明婚姻的合法性，回到“元首”的身边。可这没有用，墨索里尼动用了整个国家机器，驱赶和囚禁这个曾经奉献爱的女人，一纸证明反成了索命贴，加速了达尔塞母子的悲剧命运。在贝鲁奇奥冷静的镜头下，同情已经不足以为他们平反，整个控诉是冲着政治本身而来。达尔塞向政府，向教皇，向墨索里尼本人一遍遍的写信，并不是奢求元首的地位和财富，而只是曾经认识的墨索里尼尚存性格上的幻想。可换来的还是死亡的逼近，达尔塞的“英勇”也象征着当时意大利狂热之外的本土反法西斯抵抗运动。影片中有多处表现主义的镜头，舞台化的布景，达尔塞惊恐绝望的眼神特写，配乐则是冰冷颤栗的钢琴键音。
意大利式张力
 这段被尘封多年的“秘史”问世，自然充满了猎奇性和新鲜感，写实主义并不能满足创作的需要。在马克·贝鲁奇奥的手上，这个故事被处理成一场宏大悲怆的歌剧，开场的《众神的黄昏》就构建起历史的大跨度和俯视点。剧情与纪录片的穿插剪辑，高度的融合与映射，只有老派的意大利电影人，还封存这一失传的绝技，被贝鲁奇奥挥洒出来，艺惊四座。《胜利》的厚重感，对历史事件的戏剧表现力，源自沉淀已久的新现实主义。这种久远的手法，重现于2009年的银幕上，这才让人回忆起，安东尼奥尼，费里尼，维斯康第…当年意大利电影人有多么伟大。
贝鲁奇奥也如其他意大利电影人，会在自己的影片中出现电影院场景，借助影像和观众的互动，挖掘某个时代对个人的相互驱动。《胜利》里有个片段，年轻的墨索里尼成功利用几句激语，就煽动起两派的争斗，用胜利者的姿态看待主战、主和派的狂热表演。影片中的历史背景渲染，给观众们造成一种错觉，仿佛墨索里尼真的是个无畏的革命斗士。在如今不常见的纯正管弦乐配乐风格下，墨索里尼像默片里的人物一样，在街头与战友对抗政府，在阳台上挥舞战斗的旗帜，在达尔塞的眼中，这实在是个经历血与火考验的英雄。可这蒙太奇式的表演，只是墨索里尼复杂性格中的一面，在意大利一、二十年代那个华丽的舞台上，他在自己膨胀的权力欲望中巧妙的掩饰，全国的人都被他欺骗，又何止一个纯情的达尔塞。影片中也弥漫着一种宿命的气氛，从一个女人到一个民族，终究没有逃脱法西斯的独裁。最为可悲至反讽的一幕，来自于被墨索里尼强制孤儿院养的的私生子贝尼托。成年后的他，甚至以模仿“父亲”为荣，一举一动，完全是第二个年轻的墨索里尼，沉浸在元首的狂想中。那份癫狂，全然忘记了母亲的嘱托和诅咒：“这里有颗子弹，是为了射穿你父亲的心脏而准备的..”
年过七旬的贝鲁奇奥，多次入围戛纳电影节，只拿过评审团奖项。《胜利》用传统的电影方式，赞美了一个女人的“牺牲”，对于曾置于墨索里尼独裁统治下的人来说，她就是个现代的美狄亚。
Luc，2009年7月3日于法国巴黎
发表于《看电影》8月刊，转载请注明出处 2009/10/29 《This is it》:只是为了麦口
因为影片来自于仓促零散的彩排素材，所以对影像质量不苛求了。能剪出几首完整的曲子，大致满意。这本来就不能算是纪录片，没有结构，没有视角，一曲曲的唱过来。就是个演唱会DVD的毛胚版吧，但我还是看到了麦口的敬业。
2009/10/26 《黎巴嫩》“士兵的视角最真实”-影评及访谈 1982 年，20 岁的塞缪尔·毛茨作为一名坦克兵，参加了以色列入侵黎巴嫩的战争。25 年后，他鼓起勇气，将那段个人经历真实地重现在大银幕上。这部反映了毛茨自己的感受和挣扎的《黎巴嫩》，在9月的威尼斯电影节上，获得了最高荣誉金狮奖。
 一个瞄准镜的画面：几个埋伏在楼房上的巴勒斯坦解放组织的士兵，绑架了居民，乱枪射死了一个男人。他们刚袭击了以色列士兵沙姆力克所在的坦克。
M= 塞缪尔·毛茨 Samuel Maoz Luc，2009年9月于威尼斯 2009/10/16 《年轻的香奈尔》:当香奈儿还只是可可【暑假前写得影评，这片上映半年了，还没出DVD，很多人问起，还常和之前的版本搞混了。特贴此篇】  可可·香奈尔的名字，如同一块瑰丽的宝石，照亮整个时尚圈。斯人虽已逝，但其传奇的一生，依然引领潮流之风范。时装，香水，首饰，乃至整个生活品质，她都曾产生过深远的影响。法国人常把香奈尔与戴高乐将军并称，看做二十世纪里影响世界的人物。时尚与电影，又都是法国人引以自豪的文化‘精髓’，拍摄时尚名人的传记片，也成为法国电影界乐此不疲的题材。“可可”永远是主角。
戴帽子的时尚女王
对于这个光彩夺目的女人，她背后的故事总能成为艺术家挖掘的目标，也曾拍过多个版本的电影、电视，出版过各种角度的人物传记。《年轻的香奈尔》与以往那些贯穿全生的传记片不同之处，就在于它仅仅把视点，集中在香奈尔成名之前的青年期。就像片名所揭示的那样，此时的香奈尔，还不是成名后时尚女神，只是一个被男人亲切地唤作Coco（可可）的乡下女孩。为了表现好香奈尔年轻时的纯真，面对压力时的坚韧，女导演安娜·芳丹特意找来了奥黛丽·塔图，期望她来让这个‘执着的女孩’再现银幕，演绎一段曲折浪漫的成名之路。
在影片中，打动人的不仅仅是香奈尔的个人奋斗，还有她与两个男人间波折凄婉的情感史。从影片的剧情发展和人物设定来看，《年轻的香奈尔》有些像前年大红大紫的《玫瑰人生》，同样是传奇女人的平凡成长经历，扮演者也是法国当红一线女星，就连爱情也以缺憾终结。当然，这不算是影片主创的模仿杜撰，香奈尔的人生本就如此，去年就拍摄了一部以她为名的电视电影，全景的再现了她的人生历程，获得了电视观众的普遍关注。在这种热情下，今年法国一口气拍了两部关于香奈尔的剧情片，除了这部青年版，还有另一部重点挖掘其成名后的爱情戏：《香奈尔与斯特拉文斯基》，已作为5月戛纳电影节的闭幕片，具体公映日期还未排定，两者一前一后可称姊妹篇，或作为对视比较。
八十年代，法国人曾拍摄过四部聚焦香奈尔的影片，2004年，美国也凑趣用一部纪录片向这位时尚女神致敬。然而，名人时尚传记片并不好拍，这几部前作都不曾留下深刻的印象，在于其艺术水准仅限于平铺直叙，报流水账观众并不认可，这样一个并不久远的人物必须由精湛的演技，独到的表现视角，和完美的时尚细节来实现。在这几点上，《年轻的香奈尔》在卡司上显然占尽优势。法国最具人气的女演员塔图，与香奈尔年轻时颇为形似，让很多喜欢“天使艾米丽”形象的观众颇为期待，也与晚些在戛纳公映的安娜·穆格丽丝版成熟造型判若两人。毕竟，前者是还未成名前的“可可女孩”，后者是已经扬名香都，并经历过感情挫折的“时尚女神”。
尚未浓妆艳抹的香奈尔，穿在自己剪裁的裤子，自己搭配的帽子和短裙，穿梭于男人之间，为的是自己的“事业”，说“功利”也可理解，多少有些女性主义的励志成分。比利时笑星伯努瓦·伯勒伍德的支持，美国帅哥亚历桑德罗·尼沃拉的深情，让影片在感情线上更叫人唏嘘。那个时代的女人，渴望爱情又害怕“春药”，有几个男人会真心付出。‘时尚大帝’卡尔·拉格菲尔德作为艺术总监（他本人去年也触电，参与拍摄时尚片），保证了影片对香奈尔风格的精准把握。剧终时的一场旋梯秀，完美地诠释了这个顶级品牌的菁华，云裳飞舞，光线定格在三十岁的香奈尔脸上。这还远远不是结尾，她曲膝而坐，双眸里是幸福下的孤独，自信后的期待。
 城堡里的乡下女孩
安德丽·塔图在影片中努力显得成熟、坚韧，凭借自己聪慧敏锐的时尚嗅觉，对两个男人爱情和生活上的把握，终于到巴黎开展了自己的事业。导演在风格上保持着明快和乐观，把香奈尔从餐厅到城堡，再到独立工作室的发展历程徐徐道来。大量的人物及时尚装饰特写，在揭示香奈尔内心世界的同时，也通过她的眼神来观察这个世界。亚历山大·德斯普拉操刀的优美配乐，卡特林·勒特里尔手下极具时尚感的复古服饰，影片在各方面都算精工细作。影片在塔图穿上香奈尔标志性的海魂衫后，渐入佳境，作为一部商业片，《年轻的香奈尔》可算是准备成熟的了。
但这些商业元素，还是缺乏些新意，尤其是前半段组合地感觉生硬，歌舞表演也有些做作。相比之下，影片在后半段更为流畅，田园风光也算宜人，有两三个镜头，女导演安娜·芳丹还是找到了塔图身上久违的“艾米丽”感觉，可算是从热奈那儿继承得来。尤其是影片中一个俯拍的中景，清纯的香奈尔躺在树根下，满地金黄枯叶，镜头往前推，定在脸部特写上，经典的画面感，让观众印象深刻。特写的多次运用，其实是对表演的考验，遗憾的是，整部影片中，塔图的心理活动并没有没完全展现出来。在塔图与艾迪安·巴尔桑交往的大部分时间里，观众从塔图身上已经不见出道时的那份灵动，一开始时她的表演并不好，老气，生涩，僵硬，让人误以为是在模仿马丽昂·格迪亚的《玫瑰人生》。即便可可的确是在夜总会里认识的巴尔桑，但再次把场景处理地与其他传记片雷同，只能让人觉得导演的想象力局限，过于趋从于商业套路。更何况，扮演巴尔桑的贝努瓦·伯勒福德很会抢戏，作为喜剧演员的他，台词风格一贯如此喧闹出离，只要贝努瓦在，观众的注意力都会被他絮叨叨的幽默所吸引，拘谨的塔图反而成了摆设，靠男主角推着“前进”。
伯勒福德在正剧里的表演，虽然已经在第一次与芳丹合作的《落入手心》里获得了业内肯定，但法国观众们显然还是没接受他一本正经的样子，影院里笑场不绝。在《年轻的香奈尔》里，这位中年贵族怪蜀黍，更多的是站在一个父亲的位置上，为孤儿院里长大的可可填补父爱，让她靠在怀里说“我好害怕”。导演回避了他们之间的爱情，甚至连肉体接触的镜头也舍不得多给，可可得到了物质上的富足，生活上的倚靠，但她需要另外的精神寄托，爱情的，尊严的，独立的，这也是“香奈尔”品牌精神的成长溯源。
 曾经深爱过
让伯勒福德与塔图达戏，其效果是否满意，这是个见仁见智的看法，但其表达出来的感情纠葛，明显没有香奈尔与博伊之间来得真切。这种间离、尴尬、似是而非的效果，或许正是导演的追求。毕竟从底层出身的可可，与身为贵族军官的巴尔桑本就是情人关系。他们没有婚姻纽带，香奈尔也不是城堡的女主人，她只不过比女仆地位高些，有自己的房间，做自己喜欢的事情-设计帽子。
个人，事业，爱情这三条线，除了巴尔桑还得靠另外三个人来辅助塔图完成，于是观众看到了虚构的妹妹阿德丽娜和女演员艾米丽安，以及真实存在，但更帅气的英国绅士博伊·卡普尔。亚历桑德罗·尼沃拉的表演，才是真正与塔图擦出了火花。这是发自内心相互吸引的一对，同样由于家境，两人只能维持情人关系，博伊还得回英国娶别的女人，但在巴黎，一切只要是爱就足够了。导演芳丹在处理这条感情线时，显得更加圆熟放开，两位演员的表演也十分自然，爱情滋润着事业，香奈尔迅速成长。尼沃拉蓄胡子的扮相，颇有点丹尼尔·戴刘易斯年轻时的风采，带着英国口音的法语，深邃的眼神足以杀伤每一个少女。
慢慢的，影片过半后才渐入佳境。尤其是香奈尔风格成型后，她的海魂衫，中性礼服，撒入酒会卓然出群，时尚女神的味道才出来了。香奈尔此时的年龄，与塔图本人的真实年龄相近，她的表演也逐渐解放，把倔强融入到对爱情的依恋中，对时尚理念的坚持里。“香奈尔”品牌的风格，本就是简约和中性，代表着那个时代的开放，女性正在孕育的自信。法国版海报是塔图坐在床上，身穿男性睡衣，手拿香烟，凝视前方的画面，比另外一幅浓妆艳抹的广告照更能透视出她的内心活动。这个场景来自于巴尔桑城堡里的房间，可可已经不是主人的玩具娃娃，她琢磨着孤身去巴黎，去博取赏识自己的女明星艾米丽安的支持和引荐。就这样，一波三折后，香奈尔才正式起步自己的帽子作坊，撕去蕾丝，去繁就简，裤子和翻领上没有花边，香奈尔受到越来越多上流女性的欢迎。可世界总不会完美，给了女人野心，就会拿走更重要的东西。博伊的车祸，是历史的真实，不算导演煽情杜撰，残酷到无言以对，终身未嫁的“香奈尔女神”才得劫后诞生。
影片上映之前，影迷和时尚界都是万众期待，公映后观众口碑甚佳，首周票房以44万人次入账，这在法国本土已算是不错的成绩。自四月公映以来，票房已逼近百万人次，至六月初，全法尚有一百余家影院排片，这个本土成绩对于发行方，华纳兄弟法国分公司来说，足够满意。由法国，比利时，美国三位明星主角的倾力表现，《年轻的香奈尔》在国际市场的表现也不会差到哪里去，唯一的竞争对手，可能还是“同胞姐妹”-戛纳闭幕片《香奈尔与斯特拉文斯基》。至于专业影评人方面，法国媒体向来对欠缺新意的商业片不温不火，《世界报》《首映》等主流媒体，都打出三颗星的好评，“塔图简直就是香奈尔…如此敏锐的触感，影片再现了那个美丽的时代！”然而，到了苛刻的《新观察家》周刊眼里，表演成了最大的问题，“需要观众来按钮才能打法时间”。这还不算惨的，《电影手册》干脆打了零分，联想去年《北郊36》年的状况，只能说这种类型的商业传记片，实在是不合手册派编辑的胃口。
但这无所谓，香奈尔在世时，她可不曾屈服于别人的评论。如果那样的话，可可就永远不会成为香奈尔了。
Luc，2009年6月于法国巴黎
发表于《看电影午夜场》，转载请注明出处 2009/10/5 秋游日记-捡栗子 10月3日 星期六 晴 今天，阳光明媚，百花争艳，小鸟在枝头叫喳喳。我从床上爬了起来，一想到今天要去秋游，高兴地一蹦三丈高。我不管三七二十一，饭也没吃，拿起装了许多零食的书包，飞一般地冲出了家门。不小心在路上摔了一个四脚朝天，我一下爬了起来直冲学校。 Luc，10岁日记(仿作) 2009/9/26 崔健-“摇滚教父”的电影秀【在威尼斯给崔健做的一个专访，关于《成都，我爱你》的。陈果是分开来访的，安雅很漂亮，哈哈】
 崔健每天都戴那帽子，真不怕热呀..
“我还是个做音乐的，以音乐家的身份参与到电影活动中。如果整天看电影或者接受采访，我也做不了。”
以前，崔健用摇滚音乐来表达自己、认识社会。20年过去了，随着年龄的增长，这位传说中的“摇滚教父”逐渐喜欢上了电影。
去年年底，当崔健宣布执导《成都，我爱你》的时候，有些人猜测，他不过是在玩票。现在崔健用行动证明，他这次是来真的，除了热爱音乐，做电影也是他的一个梦。 《成都，我爱你》原来是三个篇幅，分别是过去（1976年）、现在（2008年）和未来（2029年）的成都故事。
影片的“过去篇”由香港导演陈果执导，其代表作是《榴莲飘飘》；“现在篇”则由韩国导演许秦豪执导，其代表作是《八月照相馆》，在两位专业导演面前，崔健可谓“一无所有”。
崔健选择了“未来篇”，用他自己的话说，是想“营造一种现代人不熟悉的气氛”。这个片名叫《川桑巴》的故事讲述了20年后两个年轻男女的爱情——谭维维扮演的“川桑巴”舞女，一直寻找在地震时救过自己的男孩；而黄轩扮演的男孩，却在一次打斗中，误伤了谭维维的哥哥，两人就这样带着爱恨邂逅了。
在前不久结束的第66届威尼斯电影节上，《成都，我爱你》成为其史上第三部华语闭幕片。
“我从林浩身上找到灵感”
记者：为什么会考虑去拍电影呢，遇到的最大困难是什么？
崔健：有种说法叫触类旁通。拍电影其实只是因为我除了做音乐外还有剩余时间，我只是想让我的生活更充实，别的做音乐的人也做其他事情啊。
我觉得最困难的，是拍摄过程中的意外。都准备好了，总是出现很多其他的事情。以前我做过一个手机电影，很短。制作音乐和电影的过程一样，技术上却有很多差别。到了后期的时候，会有一些前面疏忽的东西，再弥补回去。我缺的还是经验，尤其是对画面的把握。
记者：选择拍摄“成都”这个城市题材是出于什么考虑？
崔健：我以前去成都演出过，那里的人很喜欢摇滚，我也想过，桑巴音乐和四川结合起来会是什么样子。所以你会看到影片中有“川桑巴”的舞蹈，一种音乐精神传达出来，一种对四川未来的想像。我对这个城市的听觉有很好的印象，方言是一种感觉。再说我觉得不管未来的成都怎么样，影片中的树林、都江堰啊都还是会存在的。
记者：那为什么会选择两位新演员，而且是选秀歌手来拍摄这部电影？
崔健：我主要看中他们的爆发力，其实我对表演的分量并不是很看重。我对选秀也不太关注，这些活动都有太多商业性，和我自己对音乐的理解有差距。黄轩是我自己选的，没什么标准，就是自然。谭维维也很符合我最初的设想。
记者：那你选择拍摄“未来”这部分是出于什么考虑？
崔健：三个故事，过去，现在，未来。我是最先挑的，我是设想地震后的孩子，长大以后会有什么事情，尤其是那个电视里的小英雄“林浩”，我印象很深。这是一个特别可爱的孩子，我的灵感就从他身上产生的，以前都不相信那么小的孩子能救人，后来我相信了。这故事的构思就是这么来的，我设想他救的那个女孩子，二十年后又重逢会是什么样子。整个过程我也觉得挺好玩的，没什么压力。
记者：如果用一个词概括，你的这段“未来”的故事想表达什么？
崔健：我觉得是“能量”，能量是故事的基础。一般人们觉得有能量就是武力，是危险的东西，其实不是这样，我认为能量是美好的东西。
记者：你提到了“能量”的概念，那我想问一下，为什么你会用武术、音乐这些元素来具体表现能量的呢？
崔健：因为我特意接触过许多练武的人，他们特喜欢摇滚乐，因为那“有劲儿”。这么说比较俗，但就是这个意思大家都明白。那个动物的美确实体现在上面，人们喜欢动物的美，因为它有那种能量，练武的人也欣赏这种美，我觉得摇滚乐也有这种特点。摇滚乐有时会被认为是洪水猛兽，但我觉得，所谓猛兽，就是一种能量。我们忽视了能量的存在，就等于是违背了真理。我觉得很多艺术，都是通过能量来表现的。
“整天看电影，我也做不了”
记者：我看过影片后，还是很喜欢你的叙事方式。
崔健：对。很多人看完片子后，会觉得叙事方法不一样。我不太懂电影，我认为我把故事讲清楚了，观众看明白了，不觉得无聊就行了。我喜欢看这样的电影，比如我第一次看《撞车》和《巴别塔》，很多人会反感这种风格，我觉得这种叙事风格比那些传统风格对我来说更有吸引力。我觉得国内电影观众其实和音乐听众一样，有一些是非常宽容的，有一些是非常保守的，也有一些非常渴望看到不一样的叙事方法。
记者：片中的女孩子身上的纹身有什么特别的寓意吗？
崔建：其实她身上的纹身是“泥鳅”，可能我们的美工做得不够好。我们在网上查了很多资料，其实泥鳅就和鱼一样的。人们传统的观念中泥鳅特别脏，咖啡颜色的，其实泥鳅特别滑溜，也很漂亮的。原来我这个片子不叫《川桑巴》，叫《泥鳅》，指那个男孩子跑来跑去，不一样的性格。
记者：影片的配乐是你自己做得吗，和你做摇滚乐时的理念一样吗？
崔健：我这部分影片的音乐制作完全是自己完成的，李泉做的是主题歌。和做摇滚乐有点不一样，音乐要服从画面嘛。但是我自己做的时候也没有什么顾虑，因为导演也是我，我可以随意调整配乐。
记者：以前陈果导演担任过你拍摄的一部短片的监制，这次再度合作，他给你什么帮助和启发呢？
崔健：陈果和许秦豪都是我非常欣赏的导演，他们很诚实的讲故事，完全不会糊弄观众。遗憾的是，我们当初设计时，是三个故事，现在三条腿变两条腿了，（许秦豪导演的“现在”篇独立成一部电影，而崔健和陈果导演的“未来”篇和“过去”篇合成一部电影，即在威尼斯的闭幕片《成都，我爱你》）。
大家就会想到这种不平衡造成了故事的不完整。陈果老师最后会做一些调整吧。尤其是做后期的时候，很痛苦，你要不断地妥协，才能完成出片的这一幕，否则就会崩盘。我也听说其他很多片子到最后，导演控制不住了，幸好我们这片子远没有到这种境地。但是我们还是有一点遗憾，就是我们各讲各的故事。我想，他们的宽容就是对我很大的帮助了。
记者：以后会不会再独自执导一部长片？
崔健：这个我暂时还不知道。我还是个做音乐的，以音乐家的身份参与到电影活动中。如果整天看电影或者接受采访，我也做不了。
Luc,2009年9月于威尼斯，平媒稿
发表时有删节，转载请注明出处 2009/9/18 《无耻混蛋》：让暴力变得合法不甘寂寞的昆汀又回来了，这一次可是豪华阵容的大部队，一部真正的“二战片”，一段虚构的“历史”。全球最性感的男人布拉德·皮特，历史上倾城倾国的美女“海伦”（黛安娜·克鲁格）都云集在塔伦蒂诺的麾下，不落俗套的《无耻混蛋》，终于给今年火热的暑假档再添一盘“怪味大餐”。  兰达上校在影片中通晓多国语言，轻易识破了“混蛋们”的计谋，却意外地放了皮特一条生路，任凭希特勒和所有纳粹高官被刺杀，这成了影片最出人意料的“包袱”。 你永远不会猜到结果 塔伦蒂诺的影片从不会让观众们失望，当然他也不会忘记和观众们开玩笑，若是我们依照通常的观影经验去预测结果，这个狡猾的家伙肯定在镜头后面偷笑。你永远不会猜到剧情会如何发展，来个180度大转弯，只为让人惊到爆笑。今年这部《无耻混蛋》可算是昆汀构思八年，邀集美、法、德、加拿大诸多明星出演的大制作，难得“认真”地打入全球院线。比起昆汀过去那些完全靠虚构来“玩弄”观众的故事，这一次的剧情设置变得貌似“正经”，可昆汀没那么老实，他花了八年时间写这个剧本，当然不会按照前人的思路去拍摄“抗战英雄”，区别于欧洲导演的厚重严谨，也与好莱坞主流作品的商业套路保持距离，这才是他的“独立本色”。
鲜明的B级片味道 和昆汀的其他作品一样，《无耻混蛋》也是一部群戏，每个人都有鲜明的位置，所有的明争暗斗最后终结到影院大火一场戏。仅仅就剧情来看，这是部偏向于主流的谍战片，当年的欧洲战场上，的确出现过同样惊心动魄的刺杀和反扑。然而到了昆汀的手中，一切就变得不那么严肃。可以说，《无耻混蛋》算是利用了战争背景，而让暴力变得合法，让复仇成为终极目标的标准“昆汀式作品”。在影片中有过多的血腥场面，太过真实的残杀肢体镜头，让影片越过了“反战”的严肃，带有鲜明的娱乐B级片味道。这一点，也让一些大牌影评人质疑，是否可以这样“割皮刺字”来表现二战题材，并不是人人都能接受。
向前辈致敬 过于戏耍的讽刺，肆意卖弄悬念，有可能会冲淡了历史题材的厚重感，可这是昆汀的强项，他才不在乎什么反战的人性呢。影片在手法上也不像传统的战争片，有着一股子黄沙漫天的“西部片”味道，就连字体都似曾相识，颇有些黑色幽默。不过，如果观众放下历史考据的心态，纯粹从电影本身来看待《无耻混蛋》，会发现昆汀还是下了一番功夫。影片结构的分段明朗，人物关系的复杂交错，对电影前辈的模仿致敬，以及昆汀骨子里散不去的Cult色彩和话唠癖好，都在这部一百五十分钟的影片中一一展现。《无耻混蛋》里看得到很重的“西部情结”，啤酒馆大火并就是著名的枪手乱战，搞不清楚谁发第一枪，最后大家同归于尽。流畅的长镜头和熟练的“圆心环拍”，把最后的高潮戏处理得既悲壮又滑稽，只有昆丁才干得出来。
 影片分析:篡改历史才过瘾
《无耻混蛋》通过两条主线的交织，来讲述一个反纳粹的刺杀传奇。影片中，一方面皮特扮演的“混蛋队长”瑞恩带领一队盟军犹太裔敢死队，在法国的土地上偷袭德军，用残忍的手法刺杀纳粹军官；另一方面，被纳粹迫害全家的犹太女孩德莱福斯孤身逃往巴黎，经营一家电影院的同时，终于找到机会向纳粹复仇。混蛋小分队一路杀到巴黎，在酒馆女老板的帮助下，潜入纳粹高官云集的酒会中。影片的高潮，是两组刺杀者终于在电影院里会合，目标是戈培尔和希特勒等一群纳粹高层，一通血腥的乱战后，历史居然就这样被改写。
耳听昆丁最拿手的配乐，很多熟悉的旋律在影片中响起，配着刻意调侃的闪回，让人捧腹。影片分为五个段落，大体上还是按照时间顺序，没像《低俗小说》那样大玩结构。《落水狗》里的音乐照搬进来，让沉重的战争变得轻佻嘲讽，仿佛在时刻提醒观众，这不是真的历史。实话说，这个刺杀希特勒、戈培尔等纳粹大员的计划并不完美，漏洞和偶然性使得观众们第一时间就怀疑其可行性。谁都知道电影是虚构的，历史上的希特勒不会死在电影院里。可到最后，笔锋猛然一转，盟军小分队虽有伤亡，却完成了奇迹，皮特成了结束二战的英雄。
“昆汀简直是和上帝做游戏”，《帝国》给了《无耻混蛋》四颗星的高分，对影片的结尾大加赞赏。这可能将是他票房最高的一部作品，很多影评人也表示肯定，赞赏其改变好莱坞的叙事模式了。也有人质疑，是否可以过于卖弄技巧而削弱了战争影片的严肃性。对于并不遥远的二战，不是人人都敢以玩电影的心态颠覆的，暑假档缺的就是这种胆量和原创力。
此外酒馆老板娘的角色，据传曾留给张曼玉，但从影片中来看，还是德国人克鲁格更加合适，她的气质偏向于古典，给影片带来些回归传统的倾向，稍微平衡了些昆汀的恶搞癖好。德莱福斯的扮演者梅丽·洛朗是法国影坛最据天赋的新星，近年来几部正剧喜剧都大获好评，这次与国际明星们演对手戏也毫不逊色，展现出犹太女的坚毅和勇敢。影片中还有不少配角，戏份虽不多，同样出彩，风格鲜明。例如“混蛋队”的干将，也是昆汀的好友，《人皮客栈》的导演艾利·罗斯亲自上阵，与戈培尔、希特勒同归于尽。就连“大贱谍”迈克尔·迈尔斯都友情出演了一位英国将军，给影片再添些喜剧感。一部《无耻混蛋》，就是昆汀带队的“战争游戏”，很暴力很血腥也很精彩，可这不是历史，你若是信以为真了，昆汀就笑了。
LUc,2009年8月于巴黎
平媒稿，转载请注明出处 2009/9/3 威尼斯看片手记 开幕红地毯超级没意思，天气热的要命，丽都岛上倒是阳光明媚，就是人气不足。坐船还是不太方便。
像上次戛纳一样，Luc一部部点评看过的参赛片，个人感觉，仅供参考： 9月2日 《巴阿利亚》★★★ 除了重复自己，托纳托雷就是在玩政治，这是意大利最时兴的电影题材。可惜他没处理好，和家庭观、迷影情都有些脱节。表演也浮于表面，煽情但不纯。也没留给莫里康多大空间。 《末日危途》★★★★ 维果演得好，小演员也不赖，这片子难得是渲染氛围。横竖是一死，拿捏感情戏比CG画场景更重要。 9月3日 《战时生活》★★★ 色彩和构图很不错，对话的方式也很有趣，有点像伍迪艾伦，但还不够精妙。 《泪王子》★★☆ 女主角完全出戏，从表演到台词都幼稚，很文艺腔。玩时间标题，过度调色的摄影，很像王家卫的风格。（看完片子就在门口碰到王墨镜，巧吧） 未完待续... Luc，2009年9月3日于威尼斯 2009/8/28 暑假观影小记 今年巴黎没夏天，热天不超过五个手指头，搁在中国的话，羡慕死了，可以算是风和日丽的“假秋天”了。
但至少还有个暑假，晚饭吃饱后，我在十楼的大晒台上眺望巴黎的远景，头顶是一片若隐若现的星辰，脚下是烧烤炉子和太阳能的小草灯，很是惬意。
其实也看不到铁塔和圣母院，因为住在3圈的郊区，要去小巴黎还得坐十来分钟RER，可身处谷底，视野还真是好。
往反方向坐二十分钟，也可以到迪斯尼乐园，至今都没买票去玩过，倒是偶尔茶余饭后去那儿散步。 全是孩子，和米奇。
多谢了Sunny同学留给我的UGC电影卡，可以包月去电影院，看无数场新片，最常去的是市中心Chatelet的UGC，和密特朗图书馆旁边的MK2。
粗算了一下，这两月一共看了三十多部新电影，大部分在院线里看的首映，偶尔也有在家里下得Avi。如今网上都是720P的1G以上清晰文件，从蓝光转出来，用我这十六寸的笔记本宽屏看，效果还不错。
现在养成了习惯，每次看完片都会在豆瓣上涂两笔，选个满意度。今天整理一下，贴到博客上来，纯属个人评价，欢迎讨论。
1.《天使与魔鬼》★★☆
2.《终结者4》★★★
3.《变压器2》★★★★
4.《家园》★★★☆
5.《布伦达与凯尔书的秘密》★★★☆
6.《卡洛琳》★★★★ 7.《怎么都行》★★★★
8.《冰河纪3》★★★
9.《公民之敌》★★☆
10.《飞屋环游记》★★★★
11.《两个情人》★★★☆
12.《年轻的维多利亚女王》★★★
13.《特种部队》★★
14.《永别了，加里》★★★ 15.《海盗电台》★★★☆
16.《9号》★★★★☆
17.《明日拂晓》★★★★
18.《离去》★★☆
20.《世界末日》★★★
21. 《随风之乐》★★★
22. 《不伦的黑衣》★★☆
23. 《警察与形容词》★★★★
24. 《谁抓到了波斯猫》★★★☆
25. 《新宿事件》★★☆
26. 《夜店》★★
27. 《守望者》★★★☆
28. 《先知》★★☆
29. 《布鲁诺》★★★
30. 《哈利波特与混血王子》★★☆
31. 《无耻混蛋》★★★★☆
32. 《制造伍德斯托克》★★★★ 从戛纳回来后，就没少去电影院，这不，周一又要去威尼斯了。连跑两个电影节，前后5个月都在看电影，天昏地暗的。
今天打开新闻，才知道“大傻”成奎安走了，很是感慨。对于我们这辈泡过录像厅的人来说，大傻是港片顶峰时的一个标志人物，从某种意义上说，他比周润发，万梓良等人更符合香港电影的草根山寨江湖气。 大傻并不傻，大傻很努力，很亲切，特此怀念，那个逝去的录像厅时代。
Luc，2009年8月28日于巴黎 2009/8/19 邂逅马修
若问Luc最喜欢哪位法国男演员，我可以负责任的告诉你，在年轻一辈里，我最看好马修·阿玛里克，那个《国王与王后》里的精神病人，《潜水钟与蝴蝶》里的瘫痪作家，《007之量子危机》里可爱的大反派Boss。 昨天去市中心Chatelle的UGC电影院，我本来只想等朋友，随便看场电影打发时间。突然发现晚八点半有《世界末日》的首映礼，就买了票准备去瞅瞅。别以为这是什么好莱坞的科幻大作，看了预告片才知道，其实不过是法国导演，拉留兄弟的一部喜剧。我最爱的马修正好是这片子的主演，又调情又冒险，貌似十分有趣。 离开映还有一刻钟，Luc就在电影院内的咖啡厅闲逛，独自坐着喝点东西。突然发现角落的大屏幕旁围坐着一群人，端着香槟杯，拿着小甜点。肯定不是普通观众，以我的经验判断，那两位好像就是《世界末日》的导演。 拉留兄弟是那种典型的法国文艺片导演，拍那些生活化的清新情爱剧，上一部《作画还是做爱》入选了戛纳主单元，我兴冲冲的跑去一看，不过是讲个YY的换妻游戏，摄影不错，情调还可以罢了。 在往旁边一看，爽了。原来马修果然也在这里，正和女助理聊天呢。原来他们剧组成员已经来了，首映结束肯定要和观众见面的，这会儿来得早，先来喝杯咖啡才进场。这不是Luc第一次见到马修·阿马里克了，两年前在戛纳就采访过他，还顺便要了他和安娜·柯赛涅的两签名。他主演的那部《潜水钟与蝴蝶》把我感动的要命，从此喜欢上这个四十多岁的“老男孩”。这片当年是金棕榈大热门，导演施拉贝尔如愿以偿的拿到了最佳导演奖，可惜马修不能再分一个最佳男演员，可也凭此片他星途陡升，从此步入法国一线男演员的行列。《潜》在2008年还是给马修带来了一座凯撒奖影帝，并入围了美国奥斯卡。马修也加入国际大制作，之前曾和另一个马修（卡索维兹）在斯皮尔伯格的《慕尼黑》里露一小脸，之后又出演了和邦德对决的007大反派，在《量子危机》里和克雷格肉搏...可怜了他文弱的小胳膊小腿。 哪有功夫想那么多，看马修坐着休息，趁着喝咖啡的机会，我凑过去打招呼。马修也记不得我了，两年前的采访，他去年又那么红，一连拍了四五部片子，大忙人一个。光今年的戛纳就在阿伦·雷奈德《野草》和蔡明亮的《脸》里见着他。我也就随便问了两句关于这部新片的问题，他也是一幅轻松的心态，毕竟是一部喜剧嘛。我可老实说，还是喜欢马修在《潜水钟》里的表演，《007》实在不适合他，马修只是笑笑。他其实成名也就是近10年的功夫，一直都和德斯普林奇，泰西内，阿萨亚斯等导演合作些艺术片，偶尔自己学学做导演，年过不惑才成名，已经算大器晚成了（别看他小脸长得年轻）。 没能多聊，剧组就被招呼着进场了，Luc只得和马修告别。看他拎着个摩托车帽，一身衬衫牛仔裤，还有些烟草味道，随随便便的就来首映了，若不是我眼尖，哪会发现这个最喜欢的男演员。今天真好运呀，上周如果来看《明日拂晓》和《离去》，是不是也会碰到文森·佩雷和克里斯汀·斯科特·托马斯呢？ 看完电影出门一想，原来是因为我又穿了那件去戛纳采访时的咖啡色T恤呀，运气真不错。晚上吃顿好的去... 上图是用手机拍的照片，马修多可爱呀...我们的合影嘛，就暂时不贴了，保密，呵呵。 Luc，2009年8月17日于巴黎 2009/8/15 《制造伍德斯托克》：重塑一个欢快离家的年代【明天是伍德斯托克音乐节40周年纪念，重贴在戛纳时写得这篇影评。电影宫里放李安新片时，海滩上的露天银幕也同时放那部著名的纪录片，很有点时空穿越的感觉】 作为一个外国人，一个从中国传统家庭走出的非西方人，李安拿起《伍德斯托克》这个题材，需要勇气和野心。这场摇滚盛事，早已超过了音乐范畴，成为西方现代思潮中的一个精神圣殿。赤身裸体，高呼“要做爱，不要作战”的年青人，成就了一个载入史册的文化标志。四十年后，再回顾这个美国农场上的泥泞日子，摇滚音乐只是个引子，其背后更深广的是一代人的反叛。走出保守的价值观，人人都是兄弟姐妹。 没有经历过这场运动的人，怎么去重现这场浩大的运动，朝拜还是敬畏，都不足以表达当年的激情。李安的镜头没有对准光芒万丈的舞台，而是避实就虚的对准了某个男孩，一个来自传统犹太家庭的“乖宝宝”。通过他的眼睛遥望星光，李安巧妙的回避了美国人早已熟透了的记忆重心，影像上模拟六七十年代的质感(有些像加斯-范桑的《米尔克》)，骨子里还是拿起了自己熟悉的“成长”视点。 历史是每个普通人创造的，反英雄的年代里，人人都是救世主，是亚当和夏娃，影片中的“天体营”和“泥浆舞”都成为了生动的骚动回忆。埃利奥特的突发奇想，成就了一项伟业，《制造伍德斯托克》用欢快轻松的态度对待整个过程，几十万年轻人带着纯真的理想来到马克斯农场，把那里变成泥泞的精神乐土。 影片中没有出现正面的演唱会场景，也不见一个引吭高歌的摇滚巨星，但似乎不影响其真实性。叙事的主角，是埃利奥特和他的父母，矛盾冲突也主要来自于家庭。唯一能看到的伍德斯托克全景，还带有一种如梦似醒的迷幻色彩。对于美国人来说，这就是一场梦。梦醒之后，孩子们拿起行囊，走出家门，“在路上”。影片根据埃利奥特的回忆录改编，迪米特利-马丁的气质，与影片的风格十分贴切，列维-施瑞博尔从“剑齿虎”变成了“异装癖”，许多配角都如此鲜活可爱，连偶尔的同志情结也顺应自然，毫无突兀。《制造伍德斯托克》是一部轻快的个人史诗，无需复制和杜撰，李安当好了一个称职的转述者。 Luc，2009年8月14日于巴黎
2009/8/5 《飞屋环游记》老年版小飞侠的胜利 《飞屋环游记》可以看做是部老年版的小飞侠，从一个孩童式的梦想，演化出一幕寻找天堂，善恶大决战的传统历险记。卡通化的人物造型，惟妙惟肖的场景渲染，流畅逼真的动作，一老一少的经典搭配，让这部影片很“耐看”。由此看来，试映时的满分评价，以及上映后的超高口碑，都是理所应当的。
 搞笑配角秀 罗素 小罗素并不是个想飞的“飞侠”，他起初只是想靠帮助老人获得最后一枚童子军勋章，两人在争吵中建立了友谊。许多经典历险记的主角，都被作者设定为童子军，他们勇敢，正直，乐于助人，充满了冒险精神，实在是理想的人物选择，编剧甚至省了心为他们设想一个冒险的理由。 罗素被设定成一个胖乎乎，眨着两只小眼睛的亚裔形象，他有时会热情得过了头，并不完美。皮克斯这次没再做出一个纯真的“瓦力”，而是复制了一个很现实的普通男孩，让小观众们都能看到自己的影子。罗素对世界充满了好奇的渴望，喜欢所有的动物，总是会弄出些哭笑不得的举动。更何况，这是个缺失父爱的儿童，无知无畏正是他最大的动力，也需要老卡尔来充当祖父的指导意义。 笨狗道格 笨狗道格是整部影片中最可爱，最单纯的角色。它的笨拙，迎来观众最直接的笑声，是迪斯尼里常见的动物搞笑配角。别看就这么只笨狗，最后也能运用急智打败狗老大，一雪前耻。大飞艇上的决战，最终Boss是主人穆兹，罗素、卡尔轮番上阵，小飞屋在大飞艇周围盘旋，狗狗们驾驶着飞机来阻击，一场精彩的对决。最终的大结局自然是好爷爷打败坏爷爷，大团圆来到了“天堂瀑布”旁。一个温暖的开篇，一个快乐的结尾，中间是跌宕幽默的历险，“他们”从此幸福地生活在一起。 大鸟凯文 最关键的“人物”，是贯穿整个剧情，关系到正反派命运的大鸟凯文。凯文是个有些愣愣的母亲，在森林深处哺育着自己的孩子，也常常被一群恶狗骚扰追捕。大鸟是个完全虚构的动物，巨大的身躯，艳丽的羽毛，呆滞的眼神，并不比笨狗道格更讨孩子们喜欢。这只大鸟身上，背负着一种“环保精神”，作为濒临灭绝的动物，一群幼仔的母亲，她更需要人类去保护，而不是像穆兹那样去猎杀，制成标本。卡尔起初很讨厌这只跟在后面的大鸟，罗素也仅把它当做大宠物，但当穆兹说要捕杀凯文时，两人的责任心和博爱精神都发扬出来，不惜一切代价都要保护这个“朋友”。人与自然，与动物的关系，在此时被升华，就像《瓦力》一样，超过了历险记的高度。 危险的开始 家长们在《飞屋》里看到的是亲情，爱情。相濡以沫的老夫老妻，为了儿时的理想去做最后的冒险，很像摩根·弗里曼和杰克·尼克尔森主演的那部《遗愿清单》，去天堂前实现人生最后的理想。让这么一个老掉牙的爷爷去历险，还是存在一定危险性的，亏得皮克斯的导演编剧们想得出来。这种危险首先来自于角色本身，其次也要考虑观众的接受度。孤僻，无趣，黄土埋半截的卡尔，并不是拥有豪华私人飞机的百万大富翁，他退休前也就是个卖氢气球的，唯一的财产，就是那栋和老伴积攒下的小木屋。这个人物可怜，但不算可爱，长着一张四方脸，前半段还不近人情。直到影片结束时，他才真正地从孤独中走出来。从某种角度说，鳏居的卡尔一开始也很自私顽固，他关注于自己的“梦想”，而不管别人的乐趣。在他的眼里只有去世的妻子，身边没有其他的朋友，这是性格使然，若不是遇到了懵懵懂懂的童子军罗素，老卡尔也就是飞到某个不知名的角落里孤独终了。 打倒偶像 历险记也是一种类型化的小说模式，两个伙伴再带上条狗就可以上路了。《飞屋环游记》正是这样，他们要历尽险阻才能找到最终的“宝藏”。影片中的翻山越岭和打狗阵法虽然精彩，但并不出奇，反倒是终极Boss的设定，有些出人意料。这个大反派并不恶，多少还有些令人同情，居然是卡尔少年时的偶像穆兹。曾经的大冒险家，因为被科学届质疑作伪，剥夺了荣誉和地位，沦落到隐居山洞中。卡尔和穆兹，更像是一对兄弟，人生的正反面。他们有相似之处，都很孤独没有朋友，被社会抛弃。他们的梦想也雷同，飞上天去找一件不存在的事物，一个虚无缥缈的地方。“天堂瀑布”的美妙描述，最初是穆兹传达给卡尔的，最后，也是在这个瀑布旁，卡尔战胜了穆兹。“打倒偶像”这种革命行为，被皮克斯赋予在78岁的老人身上，这个历险记的寓意，孩子们似乎还无法理解。他们的榜样是罗素，一个勇敢的小童子军。 老套的深情 影片除了逗趣的台词和惊险的争斗等直观优点外，其深层次感人之处，则来自于一种浓浓的家庭温情和老少忘年交。飞屋对于卡尔大爷来说，是个与妻子相识相爱一生的精神寄托，他人生最终的梦想，就是带着飞屋来到理想中的南美天堂。影片中最动人之处，也是来自于卡尔与妻子相濡以沫的感情。卡尔在影片中一直追求的，其实是与妻子曾经美好的承诺，这是他孤独一人活在世上的动力，也是再度找到新生活的契机。 《飞屋》作为一部主流商业动画，追求的是传统价值观念和最新科技的结合。亲情，友情，勇气，环保，再加上呼之欲出的3D特效，我们可以预测这部影片的票房成功。影片中的温情，其实比特效更能打动人，毕竟飞屋并不现实，白头携老却可以实现。 技术新纪元 当然，也无法忽视《飞屋》里精美的数码3D效果，这是皮克斯称霸业界的绝技。影片中影响最深刻的场景，就是小木屋上数不清的五彩气球。气球的橡胶质感和反光，都能达到乱真的地步，几百上千的气球，在银幕上气势如虹。饱满鲜艳的的森林，气势壮观的高原，如烟梦幻的瀑布，这些景色由电脑绘制渲染，仿佛天堂重现，工作量可想而知。影片主创在记者会上曾透露，《飞屋》从筹备到制作完成历时四年，很多场景为达最满意效果，不惜返工四十余遍。在观看数码3D影片时，如果观众在不使用特别设备的情况下直视，银幕的远景处会出现重影，而一旦观众们戴上眼镜，就能够体验到平面上浮现的层次感。一个飞行物爆炸后，观众会不由自主地躲避飞来的冲击物。狗和鸟仿佛要从银幕里奔跃而出，运动有了纵深的方向感，如果不是人物设计成卡通形象，光看场景，恍惚间还真有身临其境的感觉。过去的视觉观影从此成了全方位的享受，感官被放大。以后的发展，说不定观众能体会触觉，云从眼前飘过，风从肌肤上掠过，模拟出亲身飞翔的效果。 Luc, 2009年6月于巴黎 平面稿，转载请注明出处 这是5月在戛纳看首映后写得第四篇影评，今天再去电影院看一遍，很爽，哈。 2009/7/29 时评一则：欲罢不能的电影节政治 【小贾退出墨尔本，媒体约稿，躲不开的话题】
 墨尔本电影节并不是个纯粹的民间电影组织，它的资金来源一直以来都受到电影圈内的非议。早在贾樟柯宣布退出墨尔本电影节之前，就有英国著名导演肯·洛什因抗议组织方接受以色列政府资金，宣布撤出自己的作品《寻找埃里克》。贾樟柯等三位中国导演的撤片原因，是不满于墨尔本电影节组织方借政治问题炒作“疆独”影片，出于个人的“朴素情感”而表达不满。前后这几位导演退出墨尔本的原因虽不尽相同，却有着同样的初衷，就是希望参加一个纯粹的“电影节”，而不是一个被各类政治势力所左右，一味靠挑衅敏感话题炒作眼球的商业秀。
纵观全世界不少具有国际影响力的电影节，都无法绕过政治类影片所带来的争议。欧洲三大电影节-戛纳，威尼斯和柏林-都曾在某些时期偏重于政治话题片的入选。许多获奖导演的作品，也确实具有明确的政治立场，譬如这次退出墨尔本的肯·洛什，就是一位终身关注英国底层社会的现实主义大师。电影作为一门艺术，在承担记录性的同时，无可避免的带出导演个人的政治倾向性，但这一切，必须基于影像的真实性，而不是歪曲事实的杜撰。电影节在入选此类影片时，也应该以公正客观的眼光，在强调艺术性的同时，更加突出其纪实性，不会给观众带来明显的误导。如果连组织方都刻意偏袒该影片所涉及政治事件的某一方，那就只会让电影节沦为政治宣传的传声筒，剥夺了另一方的申辩权，冲淡了电影的艺术性。在政治类影片的选取上，电影节组织方的不负责任、恶意炒作，造成的后果可能是抗议者的撤片、退赛等极端后果，固然吸引了暂时的媒体眼球，也丢失了长期积累的公正名誉。
在戛纳电影节的历史上，也曾出现过直指政治批判的获奖影片，譬如摘得2004年金棕榈大奖的纪录片《华式911》，美国导演迈克尔·摩尔就在影片中通过大量一手素材，对布什政府的海外政策抨击讽刺，毫不隐藏主创的政治立场，犀利且不失真实。欧洲的电影节给了这样的美国影片发声的舞台，获得的掌声迎合了部分人群的世界观，也会惹恼另一部分人。这不是电影节的第一次，也不是最后一次，此类争议从冷战时期就时有发生，入选片的“泛政治化”也带了某些负面的影响，张艺谋就曾因此撤回了自己的新片。同样，柏林电影节在称为“西柏林电影节”的早期，也因为政治立场被东欧国家持续抵制，其主办方对政治类影片的偏爱风格延续至今。
电影节上会出现各种类型影片，当然不仅仅是风花雪月的爱情故事，迷幻惊悚的冒险传奇，政治影片的存在具有其严肃性和深刻意义，但组织方应该明白自己的角色，谨慎的维系艺术、政治与商业的平衡。墨尔本电影节的组织方，让自己从幕后走到前台，把电影院变成政治战场，不惜放弃更多优秀的作品，这种做法是危险且短视的。电影节本身成为政治话题的始作俑者，这对其他具有独立精神的参赛导演也不公平。电影节上的政治类影片并不罕见，但一部优秀的政治类影片来自于主创严谨的创作态度，真实的历史素材和高超的影像技巧，且经得起时间的考验。更为讽刺的是，在全球许多电影节着重推荐真实平和的电影佳作，促进文化包容，民族融合的同时，墨尔本电影节却一意孤行的放映一部具有明显歪曲历史事实，宣扬国家分裂的影片，其背后的深层次动力，绝不是艺术独立那么简单了。
Luc，2009年7月28日于巴黎
发表于《东方早报》，略有修改，转载请注明出处 2009/7/22 本届环法，警察意外多多 2009年环法自行车赛已进入第11天，在结束的10个赛段里，共出现了九次赛段冠军，其中奥运冠军，瑞士人坎塞拉拉一人就保持了6天的黄色领骑衫，另外三个赛段的头名则被英国人卡文迪许夺取。到目前为止，法国AG2R车队的意大利车手诺森蒂尼保持着总成绩第一的位置，以39小时11分04秒，继续领先于阿斯塔纳车队的07环法冠军康塔德，和七冠王阿姆斯特朗。 “环法，也是环球”，这是百年环法最具有价值的品牌口号，《费加罗报》以此为标题分析了如今的环法自行车赛事在世界范围的影响。纵观本届环法目前为止的各队表现，完全可以用“世界顶级大赛”来为其标注。无论是参赛各队的组成，车手的竞技水平，都是在全世界范围内出类拔萃的自行车人才。瑞士的坎塞拉拉，俄罗斯的门乔夫，英国新锐卡文迪许，还有哈萨克斯坦阿斯塔纳车队里两位“冠军大热门”等等，美国人朗斯·阿姆斯特朗和西班牙人阿尔贝托·康塔德，他们俩目前只落后第一名8秒和6秒，任一位夺冠都不能算是意外。车队的国际化，即便是东道主也不占优势，本土车手费德里戈在第九赛段的冲冠，也让法国人看到了重夺1986年以来环法总冠军的信心， 作为历史最悠久，级别最高的自行车世界性赛事，环法在百年前只是《L’auto》报社为了促销而设置的业余比赛。环法在国际化上的推进，由一开始以本国运动员为主，到后来各国组队参赛，再到现在的赞助车队收编全世界优秀车手的团体竞争，只有达到世界自行车联盟的计分标准的车队才会被邀请参加环法，体现了其高规格。相对于奥运会，世锦赛等专业的纯粹体育竞技，环法在公路上的长途跋涉，风吹日晒更加考验运动员的全面素养。无论是平坦的起步赛段，还是九曲十八弯的爬坡赛段，都成为自行车手挑战自我极限的机会，每个队9名车手还需讲究战术配合。各种复杂的赛况，也体现了传统体育的拼搏精神，技巧，毅力和经验的综合考量，即便是奥运冠军也不一定能夺得总分第一，总分第一者也有可能只拿过分段赛亚军。环法在赛制上不断改革，用最科学的统计方式来评价各车队、每个车手的综合水平的同时，速度不是并胜利的唯一标准。另设黄色领骑衫，爬坡王，新人王等各单项荣誉，各赛段分别计时统计，即增加了比赛的竞争性和观赏性，也调动了车手的积极性，推动了自行车运动技巧的全面发展。 环法不仅仅作为专业运动，更成为了法国文化的一个名片，所到之处无不是风景优美的历史名城。譬如今年的起点就设在了摩纳哥，每年的比赛线路都会途径意大利，瑞士，德国，西班牙或者比利时，终点则是巴黎的香榭丽舍大街和凯旋门，这也是环法走出法国，面向国际化的组织设定。环法的23天成了全民的节日，运动员也享受英雄般的荣誉，形成一种“观众体育”的氛围。环法比赛的沿途百姓围观喝彩，赞助商、媒体和各地政府配合大造声势，迷人之处已不尽赛车本身，成为了法国人最受欢迎的“盛夏节日”。 环法的国际化，自然也蔓延到了自行车运动起步较晚的东欧，中东和亚洲诸国，本届环法就有2位日本选手出现在赛场上。到目前为止，还没有中国车手亮相于这一传统的顶级赛事上，这是由于车队的成本投入和规范化训练上中国还有一定的差距。但中国自行车运动的普及和进步有目共睹，近些年来环法在中国自行车爱好者中的影响也与日俱增。传奇车手，美国人阿姆斯特朗也成为了很多中国车迷心中的偶像。环法的职业化，国际化对整个自行车运动是件良性循环的促动，吸引全球更多有潜力的运动员参加环法，改进赛制，鼓励有序公平竞争，才能推动自行车运动的进步，创造下一个体育神话。 Luc，2009年7月15日于法国巴黎 环法事故迭出，交通安全又成最大问题 环法自行车赛进行到第14赛道，车手们的竞争依然紧张激烈，赛场之外则频繁发生事故。7月18日发生了一起严重的交通意外，一名60岁的女观众在横穿赛道时，被开过的警用摩托车当场撞死，另有两位观众被失控的摩托车撞伤。这起事故让环法自行车赛蒙上了一层阴影，法国司法部门正在调查事故原因，向公众解释自行车赛的安全保障问题。 这起一死二伤的事故成为了四十多年来环法最严重的意外，因为相对于其他公路比赛，职业车手在自行车赛发生严重意外的可能性降低，而围观拥挤的观众则成为了最大的安全隐患。2002年曾有一名儿童被警车撞死，历史上最大的事故则发生在1964年，一辆提供支援补给的卡车撞上了多尔德涅的一座桥梁，造成了20人以上的死亡悲剧。 法国媒体和民众对18日发生在14赛段起点科尔玛附近的意外发生了极大的反应，体育部长巴舍罗呼吁观众在沿途观看环法比赛时一定要注意交通安全。司法部介入调查的检查官谢夫里耶初步表示，责任并不在摩托车驾驶者一方，而是死者擅自多次横穿公路所造成的。主办方为此决定在15赛道的比赛开始前，全体车手和在场观众为死者默哀一分钟。 环法自行车赛本周发生了多次意外，除了观众撞死，美国车手雷非墨等人因伤退出比赛外，还有车手在13赛段途中遭遇莫名枪击。新西兰车手迪恩和西班牙车手费雷尔在孚日山区被袭击受轻伤，警方的调查尚无结果。环法的安全问题再次成为了最关注的焦点，环法的三周内，将有约一千两百万人沿途观看，需要投入大量的警力保护，9000名警察和14000名宪兵提供安全护送，环法车赛负责人克里斯蒂安•波多姆表示将把安全作为头号问题来抓。如何保障车手和观众的人身安全，法国民众，媒体和司法，体育，内政部都在深入的讨论。 Luc，2009年7月19日于法国巴黎 媒体稿，转载请注明出处 2009/6/25 《变形金刚2》：他们的战争，颠覆我们的星球 还有什么能比《变形金刚》更颠覆的电影，这是属于时代的伟大科幻商业片。七八十年代有《星球大战》，九十年代是《终结者》和《黑客帝国》，二十一世纪则属于更疯狂、更颠覆的《变形金刚》。
《变形金刚》第一集的巨大票房，让迈克尔•贝，斯皮尔伯格和派拉蒙有足够信心把第二集拍成最赚钱的续集。技术上的首战告捷，制作方这次把中心放在了剧情架构上。当然“变形”的美妙过程永无止境，更多的金刚数量类型，更精细的机器构造，变形金刚在G1动画片时代所有的构想都被重新塑造，迈克尔•贝要再造一个真实的星球，一个人类与变形金刚共存的地球。
作为成熟的商业片类型，迈克尔•贝在这一集上疯狂的做“加法”，把所有成功的娱乐元素都堆在《变2》上。影片前中后三场高潮大戏，遵循最经典的动作片模式，中间用悬疑，解密，探险，爱情，搞笑做串场，情节足够紧凑，两个多小时下来毫无冷场。首战设在上海，这倒是好莱坞电影第一次尝试，虽然场景有些怪异（譬如钢厂打着“帝国进出口”字样），但这并不影响观众欣赏汽车人和霸天虎的精彩亮相。美国人在此类科幻商业片中依然扮演着世界拯救者的形象，为了强调霸天虎的全面威胁，要让擎天柱沿着东方明珠跳下（此画面国内版本可能删去），以小搏大拯救中国人。
最英勇的当然还属擎天柱大哥，中场高潮以一对三，双斧飞舞，显然是身怀功夫绝技。迈克尔•贝在这场的处理，已经不只是机器人搏斗那么简单粗暴，变形金刚们犹如武侠片里的对决，一招一式充满了“美感”。迈克尔•贝在这种场面上显示了惊人的调度功力，庞然大物细节丰富，运动线路清晰，放眼如今的好莱坞，也没有几个商业片导演能做到这些。当然，他也是从前人那里一步步学得来，融汇到自己的作品中，观众能看到他标志的穿越镜头，也能看到其他导演成功的桥段。譬如女霸天虎追杀那场戏，就让人依稀想起了经典的《终结者》。机器美女最后惨死在热辣的梅根•福克斯手上，当“小三”果然没有好下场。
影片真正的主角，还是拉博夫扮演的山姆，与火种源方块和钥匙的纠结成为了贯穿剧情的主线。特托罗扮演的倒霉探员西蒙，也是引导剧情的重要人物，即搞笑又勇敢。其他的人物和金刚，由于数量上的增多，戏份上不可避免的削减，黑白大兵和其他金刚们都只是露了几脸，父母，室友和双胞胎汽车人只是负责煽情搞笑的镜头，删增两个也不影响剧情。正派方面除了大黄蜂稍有情感流露，擎天柱依然高大全，就剩“天火”老爷爷关键时刻牺牲自己，拯救人类的博爱了。就金刚的形象而言，倒是霸天虎里高手众多，造型新颖奇特。合体金刚大力神，机器狗，连声波都以卫星的形式现身，一如前些年“经典系列”玩具新模投放市场，孩之宝又要在续集上映后推出各类玩具，赚个盆满钵满。
《变形金刚2》也成就了今年电影领域最大的“植入式广告”，美国军方大力支持影片拍摄，其实五角大楼背后的算盘打得很精。除了各类车型，更有美军全套装备大演习，陆海空最先进的武器都拿出来实战，天上飞的虎式、F16、F22，地上跑的悍马，主战坦克，海里游的核潜艇和航母群，比任何一个武器展都精彩全面。巡洋舰的那一轨道炮，打的大力神都散了架，连外星机器人也扛不住美军全面打击，如此生猛的武器，各国买家还不趋之若鹜。影片中还有绝妙的调侃，当黑鸟“天火”苏醒时，西蒙居然叫大家躲到米格后面去，这样的小幽默俯首皆是，让影片不至于太过暴力满溢。
因为是机器人，所以怎么暴力残忍都不见血，砍头、穿心、腰斩、抽骨，要换了真人还不得让审核委员会提高定级。《变形金刚2》作为商业A级片，追求的是利润最大化，吸引各个层面的观众群，包括爱情之于女生，亲情之于父母。影片也无法避免一些细微的瑕疵，人物的无法深入，配角的莫名消失，线索的转折生硬等等，但这些商业片的惯性缺点都无损于《变形金刚》的伟大。能把如此长的时间跨域，汽车人、霸天虎、堕落金刚和人类之间复杂关系，赛博坦和地球宏大命运在151分钟内讲清楚，已属不易。更何况，如今这特效已经到了乱真的地步，上海和金字塔的两场高潮戏都是在人群密集处发生，没有大的穿帮镜头（除了道具的尺寸有待商榷），迈克尔•贝足以笑傲。仿佛世间真有变形金刚，走出电影院，看到街边的汽车都以为会变形，一部电影能给人这种错觉，足以颠覆观众的想象力-他们的战争并不远，就在我们的星球。
Luc，2009年6月24日于巴黎
 最喜欢这张，哈哈 2009/6/11 《终结者4》：狗尾续貂的爱心
为一个已经结束的系列再填新续，本来就是件吃力不讨好的事情，更何况这是一部并不遥远的“硬科幻”故事。《终结者》有辉煌的1，经典的2，已经成为电影史上不可逾越的高峰。到了第三集，这个机器人与人类的追逐故事就只剩下重复自我，连州长都疲惫了。然而，“终结者”传奇必须有个平行于现在的“未来”存在，一个预言里的末世早已埋下，审判日之后的故事，总还是要说。可惜的是，观众看到这个预言时已经太晚了。2018年已近在咫尺，现在的银幕，是“变形金刚”的时代，而不是过时的黑铁疙瘩T800。 如果在九十年代，乘热打铁拍摄《终结者》系列的平行未来，康纳领导人类反抗军大战“天网”机器人，情形肯定和现在不同。虽然特效简陋些，可理念是领先的。但现在，几乎所有的情节都已被人用过，没有新鲜感的剧情，不够炫目的特效，纠结不清的主配角，《终结者4》留给观众的，只有一颗机器人死心塌地的爱心，以及阿诺州长曾经健美的模拟身躯。 在这部终结者第四集里，既然导演MCG只关注于2018年的破碎世界，那重点就应该在人与机器人的大战之上，可通片看先来，除了开头的直升机突袭，见不到几次正面对决，只有零散人类的游记散搭。而且，这些戏份被分摊到救世主康纳和新人马库斯身上，主述视角一再变换，打乱了叙事的统一性，让人觉得剧情零碎，表演肤浅，逻辑漏洞无从解释。“天网”的强大，影片并没有系统的展示，只有散落各地的机器人们，被身先士卒的康纳幸运干掉。很多线索，在影片中没有仔细交代，这让主角们的举动显得突兀，缺乏铺垫。作为一部商业片，成功的塑造英雄主角才能带动观众的情绪，但康纳在影片中并不出色，他更像是个背景人物，衬托马库斯的自我探寻和救赎。 影片中有太多的雷同的桥段，有的是来自《终结者》前二集，还可算是导演的致敬心意；但其他的场景，完全像是从《变形金刚》等卖座片里拷贝出来。可那些黑咕隆咚的“山寨版”机器人，实在是既不养眼也不智能，还不如《我，机器人》里来的灵巧可爱。马库斯算是这部影片中唯一的原创“人物”了，山姆•温斯顿很酷，很肌肉，还很天真。这种性格的集合体，在被天网改造后居然没有抹去他的爱心和人类道德感，任由他在总部和一个T800对决，只能说不是2018年的电脑在中毒，就是2009年的编剧在退化。马库斯一定要把自己当成人，纠结不清且危害组织，他的行为和能力没有得到相应的解释，却得到了美女和贝尔的原谅，大概是为了他那颗百打不烂的“牛心”吧。没有足够的大场面高潮，缺少悬念的铺垫，这或许是《终结者4》无法引人入胜的原因。仅靠飞行器和摩托，早已不能满足观众的眼球；爆炸激起的火焰和声效，只能是脱离剧情的感官震撼；机器人“肉搏”也是1，2集玩剩下的伎俩，还不如3里来的“惊艳”。至于毫无来由的钢水，丰满结实的阿诺州长，贝尔学舌的那句“我会回来的！”，只能看成是导演在生硬地提醒观众，咱拍得可是嫡系终结者续集。 |
我又在媒体上看到记忆中的那些场景。我对自己说，该去正视那段记忆了。这些年来我都克制着自己，不去回想过去，可我却一事无成。以前我每次回忆起来，都有股肉体烧焦的气味。
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